Spectacle-récit de guerre créé le 30 mai 2015 au Festival Primavera dei Teatri à Castrovillari (Calabre), au moment des commémorations de la Première Guerre mondiale, Soldat Inconnu 15-18 met en scène le sort des soldats italiens qui, dans ce combat d'une si grande ampleur, vont pour la première fois côtoyer leurs compatriotes dans une même zone de combat et vont apprendre à se connaître. Inspiré de lettres et de journaux de tranchées, il constitue le second volet d'un diptyque consacré à la Grande Guerre. Mario Perrotta choisit de mélanger plusieurs dialectes et parlers italiens pour créer une langue qui soit la plus vivante mais aussi la plus étrange possible et qui donne à voir la guerre dans toute son incompréhension, sa complexité, ses paradoxes et son horreur. Ce métissage babélique est porté par la figure unique du soldat inconnu qui, dans son soliloque, se démultiplie au son des différents accents régionaux de la Péninsule italienne : on y entend autant de langues qu'il y a d'existences, dont ce militaire anonyme se fait porteur. La matérialité boueuse et crasseuse des tranchées se mêle au fracas des obus, à l'odeur du sang et des corps, dans une expérience multisensorielle où les sonorités langagières sont les vrais protagonistes, pour tisser un discours démystificateur qui remet en cause les propos officiels et le patriotisme des élites.
Zygmunt Hübner, acteur, metteur en scène, directeur du Teatr Stary de Cracovie, écrivain et pédagogue, est une figure importante du théâtre polonais de l'après-guerre. En 1977, il entreprend l'adaptation théâtrale du livre de Kazimierz Moczarski, Entretiens avec le bourreau. Devenu célèbre et traduit en plusieurs langues, le livre de Moczarski donne lieu à de nombreuses adaptations théâtrales et filmiques : d'Andrzej Wajda et de Maciej Englert en Pologne, de Philip Boehm aux États-Unis, entre autres.
La pièce est inspirée des mémoires de Kazimierz Moczarski, ancien résistant déclaré « ennemi du peuple » par les autorités communistes, incarcéré dans la même cellule qu'un criminel de guerre nazi. Le face-à-face bourreau-victime permet la confrontation en direct sur scène de propos opposant deux logiques antagonistes. La pièce montre les atrocités de la guerre à travers le regard du bourreau et dévoile les mécanismes psychologiques qui mènent à la transformation d'un homme ordinaire en criminel. C'est une mise en garde poignante, toujours actuelle, contre le danger de l'endoctrinement et contre les idéologies fondées sur l'obéissance absolue et la discipline autoritaire, susceptibles d'atrophier le sens moral d'un homme.
Quand Hugo, graphiste et conducteur passionné, prend le volant d'une berline pour échapper à ce qu'il imagine être une vaste conspiration, il ignore qu'il va brusquement basculer dans un univers de fiction peuplé d'obsessions, de peurs et de fantasmes. Dans ce road-movie fantastique, les spectres du passé font irruption dans le présent et contribuent à brouiller les frontières entre le réel et l'imaginaire. Deux Bulgares, tout droit sortis d'un polar, viennent rythmer les délires paranoïaques sur un mode à la fois comique et inquiétant. Un glissement progressif vers le cauchemar qui fait songer à l'atmosphère angoissante créée par David Lynch dans Mulholland Drive.
Un visiteur français reconnaît, parmi les objets exposés au Mémorial de la Shoah a Paris, la valise de son père, un Juif déporté à Auschwitz. Ce vestige d'un passé douloureux renvoie à toutes ces reliques banales, muettes et terrifiantes, enfermées dans des musées et dont Malgorzata Sikorska-Miszczuk désapprouve l'excessive sacralisation. Pour autant, cette valise est le point de départ d'une quête où le personnage principal se retrouve confronté à l'Histoire et à la mémoire. Pour l'auteur, qui récuse toute fatalité historique, il s'agit d'ouvrir la valise du passé pour en extraire le secret, révéler au grand jour la vérité et l'affronter lucidement - seule façon d'accéder à la quiétude et d'espérer des jours meilleurs...
En 441 av. J.-C., Sophocle met en scène une Antigone issue d'une famille maudite qui se bat pour que justice soit faite. En 2015, son personnage continue d'incarner la capacité révolutionnaire des femmes à résister, une capacité décuplée que figure ici une Antigone plurielle : Antigone1 participe aux soulèvements du Printemps arabe ; pour venir en aide aux migrants, Antigone2 s'engage dans le projet de soutien téléphonique Watch the Med- Alarm Phone ; Antigone3 vit certes dans « la forteresse Europe », « à Thèbes », mais à ses marges, là où la colère peut devenir destructrice.
Face au gardien de la cité, et contre Créon accroché au mot « démocratie » qu'il a vidé de son sens, Antigone témoigne de conditions de vie insupportables, du monde où nous vivons aujourd'hui « en guerre dans la paix ». Elle représente une nouvelle génération qui interroge les soi-disant valeurs occidentales à l'heure de Frontex et d'« opérations » lors desquelles on détermine qui doit survivre ou mourir, qui mérite de mener une vie digne, sans connaître ni faim ni guerre. Antigone est la figure de proue d'une génération révoltée qui croit en la possibilité d'une résistance et d'une solidarité mondiales.
La pièce se déroule entièrement dans un bus de nuit, quelque part sur une autoroute en Allemagne. Quelque chose s'est passé, la police a fait sortir deux passagers - sanspapiers, migrants, on ne saura jamais exactement, ils n'apparaissent jamais dans la pièce. Maintenant les autres passagèr·es parlent. Des voix dans la nuit qui réfléchissent à ce qui vient de se passer comme un miroir réfléchit une image. Chacun·e a son point de vue, partiel, partial et lacunaire. Mais à travers ce regard cubiste une réalité se constitue peu à peu.
Ce n'est pas une énième pièce sur la difficile trajectoire des migrant·es dans la forteresse Europe, mais un texte sur le potentiel de discrimination, que celle-ci soit basée sur la couleur de la peau, l'origine ethnique et géographique, le genre, l'aspect physique ou la classe sociale. Ce n'est donc pas une « pièce d'actualité », mais une fable onirique, un voyage nocturne dans les opinions et pensées des figures qui peuplent la pièce.
C'est aussi un texte sur la propension de l'être humain à essayer de faire sens à partir d'éléments épars et de projeter ainsi sa vision du monde sur les autres, à les classer, catégoriser, interpréter sur la base de ce que l'on croit voir et savoir.
Et coeur ment. Le jeu de mots donne la clef d'une histoire de coeurs arrachés, offerts, brisés, déçus et finalement dévorés - d'une histoire qui est, au sens littéral, celle d'un écoeurement. Le point de départ est un événement historique macabre qui se déroula le 17 octobre 1849 dans le dernier appartement de Frédéric Chopin, place Vendôme, à Paris. Dès la levée du rideau, le spectateur subit un choc : il assiste à la dissection du corps du compositeur. Il s'agit, selon ses dernières volontés, d'en extraire le coeur pour l'ensevelir en Pologne. Contre toute attente, nous avons affaire à une comédie. Dans une atmosphère enjouée, marquée par la collision constante entre le comique de boulevard et le tragique des rituels funéraires, la friction entre le risible et l'insupportable, interpelle le spectateur qui, tout en s'amusant, découvre d'amères vérités sur la nature humaine : l'hypocrisie générale, le vol, le mensonge, la violence de l'autopsie. Tout concourt à provoquer à la fois le rire et la nausée.
Michał Bajer est né le 22 mars 1981 à Poznań. Diplômé de philologie romane, il donne des cours à l'université de Szczecin tout en se consacrant à la dramaturgie et à la traduction de pièces françaises (Demande d'emploi de Michel Vinaver). Il possède en outre une formation musicale reçue au conservatoire Frédéric Chopin de Poznań. Sa pièce Straż nocna (Garde de nuit), écrite dans le cadre des Ateliers de dramaturgie organisés en 2004 par le Théâtre Rozmaitości de Varsovie, a obtenu le prix du jury. Il est également l'auteur de Verklärte Nacht en 2004, de Zjedz serce wroga (Et coeur ment) en 2005 et de Strefa działań wojennych (Champs de bataille) en 2006.
Un cercle de notables dans une bourgade sicilienne. Nous sommes en pleine guerre froide, en 1956 ; le spectre du communisme vient tout à coup perturber la tranquillité morbide des bourgeois conservateurs, amateurs de belles femmes et soucieux de leurs biens. C'est un sauve-qui-peut général traité avec vivacité et drôlerie. La pièce, à laquelle a contribué Antonio Di Grado, est la transformation dramaturgique de la nouvelle de Sciascia Ça y est, ils arrivent. Écrite pour être jouée sur la scène du théâtre de Catane en 1989, elle répond au projet du directeur artistique de représenter trois textes portant sur le thème de la décomposition d'une société ou de la mort. Cette comédie amère formera la trilogie sicilienne parue sous le titre de Tryptique, avec les pièces de Gesualdo Bufalino et de Vincenzo Consolo.
dans une agence pour l'emploi futuriste, totalement automatisée et ou
ouverte de jour comme de nuit, circulent des chômeurs amoureux en quête de solutions, des chercheurs d'emploi désireux de réenchanter un monde sans illusions.
sur fond de mondialisation et de profonde crise identitaire, moritz rinke construit des personnages attachants qui résistent à leur destruction par un système de plus en plus abstrait. réalité et fantaisie poétique rivalisent dans ce huis clos à rebondissements multiples, écrit sur un ton très libre, et d'un humour décapant.
The Hard Problem (2015) se situe à la croisée du théâtre et de la philosophie des sciences de la vie. La pièce pose la question de l'émergence de la conscience dans la matière vivante. Le Hard Problem annoncé dans le titre se trouve au centre des préoccupations du personnage principal, Hilary, recrutée par l'Institut des sciences du cerveau. La question de la conscience est intimement liée dans l'intrigue à celle de l'abandon, Hilary ayant laissé partir en adoption le nouveau-né dont elle venait d'accoucher.
D'un point de vue euphonique, Hard Problem évoque heart problem (problème de coeur), et les deux niveaux sont intrinsèquement liés sur le plan dramatique.
Condamné pour meurtre, Jacob est innocenté après plusieurs années de détention. Il retrouve la liberté, mais le monde extérieur lui paraît fermé et hostile. Il est taraudé par les interrogations sur les causes de sa condamnation.
La vérité lui est révélée par une psychologue de prison : il s'avère que le seul témoin à charge lors de son procès était son propre père... Exaspéré, poussé par le désir de vengeance, il le tue et se retrouve à nouveau en prison.
Il est tiraillé par la culpabilité et refuse de rencontrer sa mère qui l'aime et prie toujours pour lui. Dans l'enfermement du pénitencier, il essaie de nouer le dialogue avec Dieu, mais dans cette quête du sens de la vie, il chemine inexorablement vers la seule issue possible, la mort...
La pièce a reçu le Remi d'Argent dans la catégorie « Drame » au 48e festival Worldfest à Houston, au Texas en 2015 et le prix du Drame à Gdynia en 2009.
The Invention of Love est une pièce en deux actes mise en scène pour la première fois en 1997. Elle offre une réflexion ludique sur la mise en mots du sentiment amoureux. Oscar Wilde revient ainsi d'entre les morts pour dialoguer avec Housman au sujet de « l'amour qui n'ose dire son nom » (l'homosexualité masculine telle qu'elle était désignée à la fin du xixe siècle).
Ainsi, elle brosse le portrait du philologue et poète A.E. Housman (auteur du recueil Un gars du Shropshire, 1896) à différentes époques de sa vie, tandis qu'il s'enthousiasme pour l'édition et la traduction de la poésie de Théocrite, d'Horace, de Catulle, de Properce ou de Virgile, et dresse le bilan d'une vie consacrée à la traduction la plus fidèle possible de ces classiques de la littérature latine et grecque. L'oeuvre fait écho aux questionnements récurrents de Stoppard quant à notre rapport au passé et au présent.
Omar et son père fuient sur un bateau une ville effondrée. Le garçon glisse et tombe dans la mer... Cette histoire fictive fait écho à la réalité : la photo d'un garçon sans vie échoué sur une plage après le naufrage de l'embarcation transportant des migrants syriens.
Omar et son père s'enfuient en bateau d'une ville qui est en train de s'effondrer. Sous la pression des vagues, le gilet de sauvetage du garçon glisse tant et si bien qu'il tombe au fond de la mer. Omar fait la connaissance des habitants de cet univers aquatique, Requin Gogo, Dinosaure Hugo et Reine Yemaya, qui l'émerveillent. Il choisit de rester là, mais lorsqu'il apprend que son père, désespéré, demande à la faune aquatique de l'aider à le retrouver, il décide de quitter le royaume marin et de partir avec son père à la recherche d'un monde meilleur.
En une trentaine de scènes, Mutter Vater Land esquisse l'histoire sur quatre générations d'une famille d'intellectuels et d'artistes germanoturque entre Allemagne et Turquie.
Un autre regard, drôle et décalé, sur l'immigration turque en Allemagne.
En une trentaine de scènes, Mutter Vater Land esquisse l'histoire sur quatre générations d'une famille d'intellectuels et d'artistes germanoturque prise dans le va-et-vient entre l'Allemagne et la Turquie. La pièce croise joyeusement différentes temporalités et différents lieux disséminés, pour faire saisir la réalité d'une émigration bien loin des clichés, et pleinement désirée.
À travers des récits drôles et déstructurés, des dialogues et des extraits de correspondances, on suit la famille d'Alter Ego, double de l'auteur et dramaturge, depuis le conflit de la Première Guerre mondiale jusqu'en 2019. Le personnage du grand-père paternel, écrivain et traducteur turc, se détache de cette galerie de portraits par sa personnalité affirmée et son destin émouvant. Les sauts temporels manifestent que certains démons peuvent traverser plusieurs générations et refaire surface à travers la violence familiale, les préjugés xénophobes et les tourments de la double appartenance.
Un autre regard sur l'immigration turque en Allemagne.
Homenaje a los malditos est l'histoire d'un homme brutalement arraché à l'oubli.
Tout est prêt pour lui rendre hommage, l'assistance est réunie. mais quelle assistance ? un échantillon peu reluisant d'une humanité à la dérive. et ce " maître " ? qu'a-t-il fait pour mériter tant d'honneurs ? ceux qui lui rendent hommage s'en soucient-ils seulement ? l'époque actuelle, en femme de ménage consciencieuse, balaie tout avec application, grands hommes et petits papiers, ailes d'ange et poèmes inutiles.
Les personnages de futuros difuntos, eux, deviennent maîtres de leur destin à la mort de l'homme qui les dirigeait d'une main de fer. mais leur joie est de courte durée, faisant vite place à une peur implacable : le temps passe et personne ne vient occuper la place laissée vacante. commence alors une lutte acharnée pour remplacer le défunt. tous se voient déjà morts mais jouent à être les maîtres de leur vie, les médecins de leur propre folie.
Réflexion sur les oubliés de l'histoire et sur une humanité égarée, ces deux pièces d'eusebio calonge nous entraînent dans des univers attachants qui questionnent, à travers la culture hispanique, des valeurs universelles.
Cette pièce en 3 actes influencée par Beckett et T.S. Eliot fit connaître Stoppard en 1967. Elle tire son titre et ses personnages du Hamlet de William Shakespeare. Alors qu'Hamlet, Claudius et Gertrude gisent morts sur la scène, l'ambassadeur d'Angleterre fait son entrée et annonce que "Rosencrantz et Guildenstern sont morts". Mais, Rosencrantz et Guildenstern sont-ils vraiment morts ? Et s'ils ne quittaient pas vraiment la scène ? C'est ainsi que commence la pièce de Tom Stoppard : deux personnages Ros et Guil jouent aux dés et s'interrogent sur la raison de leur présence sur la scène.
Entre humour sophistiqué et blagues de comptoir, cette pièce dit l'importance non pas de connaître, mais d'apprendre, d'apprendre sans cesse pour ne pas mourir, pour ne pas se laisser mourir ou détruire.
