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Lettmotif
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Une histoire du cinéma français t.1 ; 1930-1939
Philippe Pallin, Denis Zorgniotti
- Lettmotif
- 25 Août 2020
- 9782367162614
Une histoire du cinéma français se présente comme une série d'ouvrages, classés par décennies successives (des années 30 à nos jours) pour offrir au lecteur un panorama complet du cinéma français. Pour chaque année sont mis en avant les films majeurs, un grand réalisateur, une actrice et un acteur ainsi qu'un grand dossier thématique abordant pour le cinéma les questions essentielles de la période. À travers ces analyses, et la mise en perspective des oeuvres et des artistes dans un contexte historique, social, politique et même technique, ce livre se veut le récit pertinent et à l'occasion, impertinent ! de l'histoire, riche mais encore trop méconnue, de notre cinéma. // TOME 1 // De l'avènement du parlant à l'effondrement de la seconde guerre mondiale, les années 30 représentent, à plus d'un titre, un véritable âge d'or du cinéma français. A la suite de la révolution technique liée à l'arrivée du parlant qui révolutionne totalement l'approche du septième art, la décennie est marquée par des événements historiques aussi importants que la crise de 1929 et le Front populaire. Avec, d'un côté, le souvenir encore prégnant de la Grande Guerre et, de l'autre, la peur d'un nouveau conflit, se dessine un cinéma français en pleine mutation, entre insouciance et gravité, entre idéalisme et réalisme, jusqu'à la naissance d'un courant déterminant pour le cinéma mondial, le réalisme poétique. Durant les années 30, de grands maîtres (René Clair, Jacques Feyder, Jean Renoir, Julien Duvivier, Marcel Carné) réalisent des chefs-d'oeuvre encore mondialement reconnus, A nous la liberté !, La Kermesse héroïque, La Grande Illusion, Pépé le Moko, Hôtel du Nord ; de grands acteurs et actrices sont élevés au rang de monstres sacrés (Jean Gabin, Louis Jouvet, Michel Simon, Raimu mais aussi Arletty ou Michèle Morgan) sans oublier l'apport inestimable de grands seconds rôles qui font toute la verve de l'époque. Mais ce n'est pas tout : ''Une histoire du cinéma français'' rend justice à d'autres oeuvres passionnantes mais méconnues, qui revivent ici en vrais coups de coeur. Ce livre rend également hommage à des acteurs et à des actrices, en grande partie oubliés, comme Albert Préjean, Mireille Balin ou Corinne Luchaire. Le casting est somptueux, le programme des films formidable et parfois étonnant, le lecteur n'a plus qu'à se laisser porter, comme dans un film, à la rencontre du cinéma français des années 30.
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Une histoire du cinéma français : tome 3 (1950-1959)
Philippe Pallin, Denis Zorgniotti
- Lettmotif
- 12 Novembre 2021
- 9782367162638
Une histoire du cinéma français se présente comme une série d'ouvrages, classés par décennies successives (des années 30 à nos jours) pour offrir au lecteur un panorama complet du cinéma français. Pour chaque année sont mis en avant les films majeurs, un grand réalisateur, une actrice et un acteur ainsi qu'un grand dossier thématique abordant pour le cinéma les questions essentielles de la période. À travers ces analyses, et la mise en perspective des oeuvres et des artistes dans un contexte historique, social, politique et même technique, ce livre se veut le récit pertinent - et à l'occasion, impertinent ! - de l'histoire, riche mais encore trop méconnue, de notre cinéma.
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Trajectoires d'Aaron Sorkin (A la Maison-Blanche, Sports Night, Studio 60, The Newsroom)
Mathieu Demaure
- Lettmotif
- 19 Janvier 2021
- 9782367163260
Scénariste star (les séries À la Maison-Blanche (The West Wing) et The Newsroom, les films Des hommes d'honneur et The Social Network), dramaturge à succès et depuis peu réalisateur (Le Grand Jeu en 2017 et Les Sept de Chicago en cette fin d'année 2020), Aaron Sorkin collectionne les honneurs et les récompenses. Ses qualités de dialoguiste sont aujourd'hui majoritairement reconnues - «sans doute le meilleur de notre époque» selon Damon Lindelof, co-créateur de Lost, de The Leftovers et de Watchmen -, chacune de ses oeuvres nourrit le débat. Ses deux premières séries, Sports Night et À la Maison-Blanche, ont participé à la constitution de l'âge d'or télévisuel des années 2000. Pourtant, certains de ses propos (sur les femmes, sur Internet...) et de ses comportements (auprès de ses équipes de scénaristes) ont jadis suscité la controverse. Aaron Sorkin est un personnage public, un auteur très bien établi dans le paysage hollywoodien. Ce livre, le premier en français qui lui est consacré, se veut à la fois une biographie et une analyse de son style, volubile, omniscient, inspiré par les comédies américaines des années 30 et 40. Depuis William Shakespeare jusqu'aux films de Frank Capra, ses influences sont multiples et transversales. Tentons de les cerner en compagnie de Jed Bartlet, de Mark Zuckerberg, de Mackenzie McHale et de Molly Bloom.
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Une histoire du cinéma français t.2 : 1940-1949
Philippe Pallin, Denis Zorgniotti
- Lettmotif
- Anthologie Subjective
- 13 Avril 2021
- 9782367162621
Une histoire du cinéma français est une collection de livres qui dresse un panorama de la production cinématographique hexagonale sur ses différentes décennies. Classés par année, ces ouvrages complets mettent en avant les films importants, les cinéastes majeurs, les acteurs populaires de leur temps, ainsi que des dossiers thématiques. À travers ses analyses, et la mise en perspective des oeuvres et des artistes dans un contexte historique, sociétal et technique, ce livre se veut le récit pertinent - et parfois impertinent ! - de notre si belle histoire du cinéma. Tome 2 : 1940-1949 Préface de Thierry Frémaux Avec les années 40, le cinéma français est mis à l'épreuve des grands événements de l'Histoire. Et pourtant, sans relâche, le septième art va se battre, se réinventer et exister de plus belle, parfois de manière étonnante : des chef-d'oeuvres du fantastique sous l'Occupation (Les Visiteurs du soir, La Main du diable) à la fabrication d'une légende commune à la Libération (La Bataille du rail, Le Père tranquille) jusqu'à la période d'après-guerre entre pessimisme (Panique de Julien Duvivier) et joie retrouvée (Rendez-vous de Juillet de Jacques Becker), la France va produire une oeuvre riche, contrastée, originale. Les années 40, ce sont de nouveaux maîtres de cinéma qui signent de grands films, le Clouzot du Corbeau, le Cocteau de La Belle et la Bête, Jean-Pierre Melville, déjà, avec Le Silence de la mer. Les années 40, ce sont de nouvelles stars qui éclosent et vont bientôt devenir des icônes : Simone Signoret, Gérard Philipe, Jean Marais. Les années 40, c'est également Les Enfants du paradis, peut-être le plus grand film du cinéma français. Une période entre ombre et lumière, pour reprendre la célèbre image du Corbeau, une des décennies les plus passionnantes de notre Histoire du cinéma. Plus de 150 photogrammes des films
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L'oeuvre d'Henri-Georges Clouzot, de L'Assassin habite au 21 (1942) à La Prisonnière (1968), est connue et reconnue. Mais qu'en est-il de son oeuvre fantôme, des scénarios originaux qu'il a écrits mais non tournés, l'un notamment avec Jean-Paul Sartre, des adaptations, telle que Chambre obscure d'après Vladimir Nabokov, de L'Enfer arrêté après quelques jours de tournage, ou encore des remakes qu'elle a suscités ?
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Connu surtout pour ses westerns à l'italienne baroques, drôles et violents, Navajo Joe, Django, Le Mercenaire, Le Grand Silence ou Companeros, Sergio Corbucci est aussi un réalisateur dont l'ample filmographie comporte plus de soixante longs-métrages. Du néoréalisme de l'après-guerre aux mélodrames des années cinquante, de l'âge d'or du cinéma de genre (western, gothique, peplum) aux grandes heures de la comédie (son genre de prédilection) jusqu'aux années difficiles, soixante-dix et quatre-vingt, il traverse quatre décennies de cinéma italien, en épousant tous les mouvements, parfois précurseur, toujours animé par la passion de filmer. Romain jusqu'au bout des ongles, personnalité attachante, ''L'autre Sergio'' a peu suscité l'intérêt de la critique. Cet ouvrage est le premier à parcourir l'ensemble de sa carrière, une ouvre riche et excitante à découvrir sous toutes ses facettes.
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Au milieu des années 1970, l'apparition des magnétoscopes change radicalement la manière de consommer le cinéma, les spectateurs pouvant désormais louer sans aucun contrôle préalable des films que les salles ne projettent pas. Les éditeurs de cassettes vidéo remplissent alors les catalogues d'oeuvres souvent inédites, parfois pornographiques, violentes ou interdites qui échappent à tout contrôle pour le plus grand plaisir des amateurs de Bis. Au Royaume-Uni, les pouvoirs publics sont alertés par certaines associations familiales qui ne comprennent pas que des enfants puissent voir librement des films honteux et dégradants. Pour contrer la diffusion d'oeuvres jugées particulièrement dangereuses pour la jeunesse, la police anglaise organise et multiplie des saisies médiatisées dans les vidéoclubs en vertu de la loi de 1959 réprimant l'obscénité. À la demande de la principale association des vendeurs et loueurs de vidéos de Grande-Bretagne qui souhaite éviter que ses membres ne fassent l'objet de poursuites judiciaires, les autorités finissent par publier en 1983 une liste infamante de 72 titres stigmatisés sous la dénomination de Video Nasties. [...] (Christophe Triollet).
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Stéphane Brizé-Vincent Lindon, les plans de bataille
Quentin Victory Leydier
- Lettmotif
- 9 Février 2022
- 9782367163635
La relation artistique qui unit Stéphane Brizé et Vincent Lindon au travers de cet ensemble (Mademoiselle Chambon, Quelques heures de printemps, La loi du marché, En guerre, Un autre monde) est probablement l'une des plus belles et des plus riches de ces dernières années. Il m'a semblé plus que logique d'y consacrer un ouvrage tant leurs films sont d'une brûlante actualité et m'apparaissent comme profondément indispensables dans ce monde qui est le nôtre. Ils sont un miroir qu'il est nécessaire de tourner vers soi. Ce livre qui se veut à la fois analytique et personnel est ma manière de rendre, modestement, hommage à ces deux hommes. Il tente de mettre en lumière des constantes, des procédés filmiques (le plan-séquence, par exemple) et s'arrête également sur des thématiques fortes comme le travail, bien sûr, ou encore le langage et sa possible instrumentalisation. Plus que jamais, il me semble, le cinéma français et la société peuvent être fiers de compter parmi eux de pareils artistes.
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John Carpenter démarre sa carrière à Hollywood dans les années soixante-dix. Artisan touche à tout, il écrit ses histoires, compose ses musiques au synthétiseur et construit ses images avec des cadrages impeccables dignes de Howard Hawks, sa référence absolue. Atteignant rarement les sommets du box-office, il est confronté à un public sévère et à une critique qui ne comprend pas toujours son langage. Quarante ans plus tard, après avoir signé dix-huit longs métrages, dont certains ont finalement accédé au statut de film culte comme The Fog, The Thing, Christine, They Live... John Carpenter, épuisé par un rythme de travail effréné, semble avoir définitivement raccroché sa caméra pour se consacrer à la musique, jouant ses compositions devant des assemblées conquises. Satisfait de cette image de marque, gagnée tardivement, John Carpenter savoure enfin son plaisir. Mais il ne cache pas, aujourd'hui encore, son amertume en évoquant une carrière faite de tant de combats si difficiles et de si peu de reconnaissance, à une époque où il se battait pour parvenir à vivre de son art sans avoir à subir la pression des studios. Le «maître de l'horreur», ainsi s'est-il baptisé, personnage atypique, s'impose comme l'anti-Spielberg absolu, nageant toujours à contre-courant des modes et des attentes des spectateurs. Loin du star-système et des journalistes, l'homme s'est réfugié dans sa tour d'ivoire à Los Angeles. Certaines blessures ne se referment pas, surtout quand on est un ange maudit à Hollywood.
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Jean Eustache ou la traversée des apparences
Jérôme d' Estais
- Lettmotif
- 10 Février 2015
- 9782919070909
Réalisateur culte et pourtant méconnu, Jean Eustache n'a eu de cesse, dans la douzaine de films réalisés au long de sa courte carrière, de brouiller les pistes, de mélanger les genres et les idées, de cultiver l'ambiguité entre la vérité et les apparences. En jouant ainsi sur les idées de vrai et de faux, Eustache peut ainsi redéfinir les genres cinématographiques, rétablir la vérité sur l'époque et la société dans laquelle il vit et, en toute confiance, laisser seule sa mise en scène, faire surgir la vérité.
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Censure & cinéma en France examine sur plus de 450 pages, le processus complexe de la classification des oeuvres cinématographiques dans notre pays. La parole a été donnée aux observateurs et aux acteurs du dispositif organisé par l'État depuis 1919. Jean-François Théry, Sylvie Hubac, Edmond Honorat, Jean-François Mary et Françoise Tomé, tous interrogés au moment de leur présidence, ont accepté de livrer leur point de vue sur le travail de la Commission de classification. André Bonnet, fondateur et conseil de l'association Promouvoir, laquelle a bouleversé le droit du cinéma depuis plus de vingt ans avec l'affaire Baise-moi, explique et justifie ses multiples actions devant le juge. Si René Chateau, Philippe Rouyer et Fernand Garcia ont choisi de revenir sur des épisodes importants de la classification des films, des juristes se sont interrogés sur la finalité de l'avertissement, sur les incohérences de l'interdiction aux moins de 18 ans, ou encore sur l'indemnisation des professionnels lésés par des restrictions d'exploitation en salles. Au total, quinze auteurs ont bien voulu poser un regard critique sur un dispositif complexe observé avec méfiance par une industrie du cinéma partagée entre agacement et résignation.
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Le titre du livre répond à ceux qui persistent à montrer une image fabriquée de stéréotypes décalés du Japon, ne s'exprimant que par le manga, l'anime ou l'univers yakuza, ou par le cloisonnement de jeunes auteurs dans le cadre de traditions qui ne sauraient les contenir. Ce livre se compose d'entretiens avec plus de vingt réalisateurs japonais contemporains, d'essais et critiques des genres qu'ils pratiquent, de l'anime au fantastique, du film yakuza à la comédie, du film d'auteur au cinéma érotique. Son objectif n'est pas de dégager une théorie d'ensemble, ni d'établir une esthétique dominante au sein du cinéma japonais, mais de mieux saisir comment ces cinéastes nous montrent et nous parlent du Japon aujourd'hui.
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Acteur, manuel de survie : photos, cv, bande démo, castings, selftape, agent...
Liza Paturel
- Lettmotif
- 22 Janvier 2022
- 9782367163710
Actrice, acteur, ce livre est fait pour vous ! Votre vie d'artiste peut vite ressembler à un parcours du combattant, à cause de mille et une épreuves à traverser afin d'arriver (enfin !) à vivre de votre passion. Et pour survivre en milieu hostile, rien de mieux qu'un manuel, simple et précis. Un livre qui vous accompagnera dans toutes les étapes de ce long périple semé d'embûches, qui permettra d'en éviter les pièges. Vous pourrez vous prendre en main et créer vous-même les outils qui vous permettront de faire votre place dans le monde des acteurs. Acteur, manuel de survie répond donc à des questions simples : pour quel type de rôle êtes-vous fait ? Comment réaliser son book, son CV, sa bande démo ? Comment bien préparer un casting, une selftape, un callback, un entretien avec un agent ? Où chercher les annonces et comment sortir du lot ? Comment ne pas être victime d'arnaques et comment survivre après un énième refus sans perdre sa confiance en soi ? Liza Paturel est passée par là avant vous et a éprouvé l'envie de partager son expérience. «Acteur, manuel de survie» est ainsi bourré d'anecdotes vécues, d'exemples précis qui font vivre cet ouvrage et le rendent encore plus indispensable. Venue de Russie où elle a été comédienne au théâtre MOST de Moscou pendant 8 ans, Liza Paturel apporte l'acuité de son regard d'étrangère sur le petit monde du cinéma français, rendant encore plus pertinente son expertise.
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Censure et cinéma t.3 ; politique et religion
Collectif
- Lettmotif
- Darkness
- 6 Avril 2018
- 9782367162188
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Je me souviens... 500 anecdotes de tournage
Jean-Pierre Jeunet, Charlie Poppins
- Lettmotif
- 13 Avril 2018
- 9782367162355
Je me souviens. Je me souviens de quoi ? Ah oui, je me souviens que l'éditeur de ce présent ouvrage m'a demandé d'écrire un petit texte de présentation. Sachant que l'éditeur n'est autre que le jeune frère de l'auteur (onze ans de différence), l'auteur se souvient de pas mal de trucs, dont celui-ci : Quand l'éditeur avait cinq ans, j'en avais donc seize. Je me souviens que j'organisais des compétitions de pénos. Chacun à son tour dans les buts. Le premier qui arrive à dix. Mon truc, c'était de mener genre 7-0. Puis de le laisser me remonter, voir me dépasser. Donc à 8/7 pour lui, je repasse devant... 9/8... balle de match... Et finalement il gagne ! Il ne s'est jamais rendu compte de rien, et je n'ai jamais osé lui avouer la vérité. Je sais ce texte va être un choc. En même temps, on s'en fout un peu, puisque les «Je me souviens» parlent de cinéma. Par exemple, souvenirs de ''Delicatessen'', l'histoire passionnante d'un boucher dont le lit grince. ''La Cité des enfants perdus'', où l'on apprend qu'il est sain de laisser les enfants roter après avoir mangé du cervelas. ''Alien, resurrection'', drame oedipien, ''Amélie Poulain'', l'histoire d'un nain de jardin qui mange des framboises au bout de ses doigts, si je me souviens bien. Encore que. Bref, plus de 500 « Je me souviens » plus sérieux que ceux-ci. Encore que...
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Consacré par trois prix dont la Palme d'or au Festival de Cannes en 1991, Barton Fink, quatrième film des frères Coen, inscrit son propos dans une filiation multiple : film de cinéma sur le cinéma, dans le prolongement de Boulevard du crépuscule de Billy Wilder ; film de cinéma sur le théâtre et le jeu de masques qu'est la vie, dans le prolongement de Persona d'Ingmar Bergman ; film sur la folie, dans le prolongement des premières oeuvres de Roman Polanski, comme le toujours moderne Cul-de-sac ; film surréaliste sur le monde des rêves, dans le prolongement du mythique Pandora d'Albert Lewin. Davantage que la simple somme de ces chefs-d'oeuvre consacrés, la valeur ajoutée de Barton Fink tient à son ton unique, sa capacité à couvrir de rire les situations les plus désespérées, à faire de l'art sans se prendre au sérieux ni céder aux facilités du cynisme. Ambition shakespearienne, entre grandeur tragique et bouffonnerie débridée, qui consacre, aujourd'hui encore, Barton Fink comme l'oeuvre majeure de ses deux réalisateurs.
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Once upon a time... in Hollywood, le monde et sa doublure
Damien Ziegler
- Lettmotif
- 19 Septembre 2022
- 9782367163727
Couronnement de la carrière de Quentin Tarantino, Once Upon a Time... in Hollywood se veut d'abord hommage aux oubliés de la machine à rêves hollywoodienne. Les cascadeurs et acteurs de séries télévisées des années 1960 y occupent le devant de la scène, tandis que les grandes stars de l'époque, le réalisateur Roman Polanski ou l'acteur Steve McQueen, ne font que passer. Quentin Tarantino relègue son goût de la violence au second plan pour se confronter le plus directement possible aux affres de la nostalgie aiguë que lui inspire la culture de cette période si particulière, avec la guerre du Vietnam, les hippies et leur gourou Charles Manson, outre une quête de liberté effrénée souvent chaotique. Loin de la simple peinture sociétale, Once Upon a Time... in Hollywood, qui a depuis fait l'objet de la publication d'un roman de la plume de son réalisateur, convie les influences conjuguées du théâtre de l'absurde.
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Célèbre pour avoir été le pygmalion de Marlène Dietrich, Josef von Sternberg reste aujourd'hui encore un artiste énigmatique méconnu du grand public. Sur près de vingt-sept longs-métrages tournés entre 1925 et 1953, le réalisateur s'est essayé à tous les genres, passant des films de gangsters aux intrigues d'espionnage, des récits historiques aux films noirs et des mélodrames aux aventures exotiques. Cette dernière catégorie, particulièrement fournie, compte cinq films : Morocco en 1930, Shanghai Express en 1932, The Shanghai Gesture en 1941, Macao en 1952 et The Saga of Anatahan en 1953. Témoins d'une époque coloniale, ces oeuvres jalonnent la production du cinéaste et attestent d'un désir sans limite de leur auteur pour le dépaysement.
Dans l'univers sternbergien, les aventuriers, les escrocs, les militaires, les joueurs et les belles de nuit se côtoient dans une danse nocturne perpétuelle dans des contrées éloignées qui offrent des refuges rêvés pour des protagonistes au passé douteux. Le jour et la nuit se confondent, les repères temporels s'estompent, les individus se croisent, se déchirent et se séparent. Le réalisateur dépeint les errances de personnages déracinés qui semblent arrivés au bout du monde. en réalité dans les studios d'Hollywood où tout n'est qu'apparence. Mais cet orient de pacotille n'est pas aussi manichéen qu'il y paraît et ces visions exotiques sont une porte d'entrée pour comprendre l'ensemble de l'oeuvre de Josef von Sternberg.
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Un siècle de cinéma américain en 100 films t.1 ; le règne des studios et l'âge d'or : 1930 - 1960
Benoit Gourisse
- Lettmotif
- Anthologie Subjective
- 2 Novembre 2016
- 9782367161808
Hollywood a largement contribué au succès populaire du septième art dans le monde et témoigné de l'inventivité des cinéastes, acteurs, scénaristes et autres monteurs ou compositeurs en produisant nombre de chefs-d'oeuvre. Au travers de l'analyse critique et passionnée de 100 films, de A l'ouest rien de nouveau réalisé par Lewis Milestone en 1930 jusque The Barber réalisé par Joel & Ethan Coen en 2000, cet ouvrage permet de comprendre les grands courants artistiques mais aussi thématiques voire politiques qui ont guidé l'évolution du cinéma aux Etats-Unis et au Royaume-Uni et d'éclairer des oeuvres vues et revues maintes fois et passées à la postérité. Scindé en deux parties - 1) 1930-1960 : Le règne des studios et l'Age d'or, 2) 1960-2000 : La fin des codes, le réalisme... puis la nostalgie - l'ouvrage permet de comprendre l'influence des vieux maîtres (John Ford, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Joseph L. Mankiewicz entre autres) sur les ténors du cinéma contemporain (Martin Scorsese, Steven Spielberg, les frères Coen), de voir aussi comment le cinéma a accompagné les grands événements du XXe siècle, tragiques et heureux. Cent films de référence qui renvoient à des centaines d'autres qui ont construit l'histoire de cet art né à l'orée du XXe siècle et devenu une industrie. Cent films pour emmener le lecteur dans un voyage au travers de nombreux genres, du western à la comédie musicale, de la science-fiction au film noir en passant par l'étude de moeurs ou le film de guerre. Un ouvrage pour voyager, rêver et, surtout, pour vouloir redécouvrir dans une salle obscure ce que le cinéma a offert de mythes et légendes.
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La révélation du temps par les figures sonores dans les films de Tarkovski et de Zviaguintsev
Macha Ovtchinnikova
- Lettmotif
- 26 Septembre 2014
- 9782919070879
Le travail de recherche porte sur les filmographies riches et mystérieuses de deux cinéastes russes : Andrei Tarkovski et Andrei Zviaguintsev. Au moyen de l'analyse des figures sonores, confrontée avec les théories philosophiques et cinématographiques, les principales problématiques du temps au cinéma sont soulevées. L'objectif étant d'éclairer le concept ambivalent de la révélation du temps, il a fallu desceller les correspondances entre les films des cinéastes. L'étude approfondie des figures sonores permet de montrer le cheminement de la représentation du temps. En partant du reflet fidèle de l'écoulement du temps, les cinéastes présentent néanmoins une vision subjective de la durée. Ils confèrent à l'instant, l'unique unité absolue du temps, la puissance de réunir toutes les simultanéités temporelles. L'instant présent devient un dialogue permanent et ambivalent entre le passé réel et le futur virtuel. L'instant a donc rapport avec le réel autant qu'avec l'imaginaire. Mais il est toujours au coeur de la quête du temps absolu et vrai. Une forte aspiration à une réalité intemporelle, à un temps éternel s'observe chez les cinéastes russes. La représentation de ce temps absolu ne s'opère que sous forme d'une révélation spontanée et vraie.
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Incroyable ! Sidérant ! Époustouflant ! Poussé par le triomphe du tome 1, cet étourdissant volume propose 4.000 nouvelles répliques. De quoi «réchauffer en hiver, rafraîchir en été, stimuler les lymphatiques et calmer les névropathes» (Comment réussir quand on est con et pleurnichard). 4.000 ? Où cela s'arrêtera-t-il ? Des sources innombrables, reflets du cinoche et du septième art : films cultes, comédies fracassantes, oeuvres oubliées, productions obscures... Un tour du monde incroyable à la rencontre de près de 3.000 films. Tout est passé par le petit tamis pour récolter des pépites. Drôles, étourdissantes, pertinentes, profondes, sensées, ébouriffantes... Elles sont venues, elles sont (presque) toutes là, à ce deuxième rendez-vous des 4.000. Une sélection de premier choix, apte à combler les palais les plus gourmands. De surprises en étonnements, ça fuse de partout et ça ne laisse jamais indifférent. Des répliques toujours admirablement rangées sous forme de dictionnaire. De A (comme Abruti) à Z (comme Zoom). Pour éviter au lecteur de s'égarer. Car on peut se perdre dans un nectar. 4.000, ça frôle le grandiose ; l'ivresse des montagnes, la volupté des grands espaces que l'on foule mètre après mètre. On se délecte, on se gargarise et on reste pantois. Et comme dirait James Bond lui-même, «Per ora et per il momento che vera. Jouissons du moment et du moment qui le suit» (L'Homme au pistolet d'or). Ah, ce tome 2, c'est du brutal !
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A t-on besoin de script-doctors en France ?
Principes narratifs clefs du storytelling.
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Quand on pense au cinéma noir américain des années Obama il nous vient tout de suite à l'esprit des titres comme La Couleur des sentiments, Le Majordome, Selma, Django Unchained ou 12 Years a Slave tous sortis entre 2009 et 2016. Beaucoup de films évoquant l'histoire des Afro-Américains en somme (l'esclavage, le racisme, la ségrégation, la lutte pour les droits civiques). Faut-il y voir une simple coïncidence ou une véritable tendance ? Comment en effet ne pas imaginer que l'élection d'un Noir à la tête d'une nation travaillée depuis toujours par la question raciale n'a pas eu un effet sur la production de films ? Ne parle-t-on pas d'ailleurs communément d'un "cinéma reaganien" pour évoquer la production hollywoodienne des années 80 (Rocky, Rambo, Top Gun...) - synonyme de blockbusters musclés, manichéens et conservateurs - alors pourquoi ne pas parler d'un "cinéma obamanien" ? En explorant les grandes tendances de la période, ce livre tentera ainsi de comprendre comment le cinéma noir de ces dernières années a été influencé thématiquement, voire idéologiquement, par la présidence de Barack Obama.
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La boxe a toujours fasciné le cinéma car, depuis Thomas Edison, c'est le sport le plus représenté par le septième art. L'objectif de cet ouvrage est donc de faire un bilan de la représentation du noble art à travers les différentes périodes de l'histoire des États-Unis. En effet, le film de boxe s'est appuyé sur plusieurs genres cinématographiques pour décrire à la fois les problèmes économiques, sociaux et politiques des Américains (crise de 1929, lutte pour les droits civiques, guerre froide...) mais aussi en mettant en avant les raisons profondes du succès de ce sport. De fait, le dépassement de soi, la lutte contre « l'Autre » menaçant (et les démons intérieurs du boxeur), l'ascension sociale grâce au sport ou la violence autorisée sur le ring ont amené la boxe à devenir l'une des pratiques sportives les plus populaires de la planète. Et, en plus, d'offrir de nombreuses oeuvres inoubliables aux spectateurs comme The Champion (1915) de Charlie Chaplin, Rocky (1976) de John G. Avildsen avec Sylvester Stallone ou encore le mythique Raging Bull (1980) de Martin Scorsese avec Robert De Niro.
