En 1976, deux ans après la sortie de son premier long-métrage L'heure de la libération a sonné (1974), récit d'une lutte armée à Oman, Heiny Srour revient sur son expérience en tant que cinéaste femme et arabe, à bien des égards exemplaire. Elle rédige ce manifeste qui a été remarqué au fil des ans par un certain nombre de lectrices, pour qui il a représenté une révélation féministe.
"That's the girl!'
En quelques films, Audrey Hepburn a inventé le personnage d'une femme élégante, sophistiquée et mutine, incarnant idéalement aux yeux du monde " la Parisienne ". Une Parisienne revue et corrigée par Hollywood, bien sûr.
Restent un style, un caractère, une garde-robe signée Givenchy... et une profession de foi : " Je crois que le rire est le meilleur brûleur de calories. Je crois aux baisers. Je crois en la force quand tout semble aller mal. Je crois que les filles heureuses sont les plus belles. Je crois que demain est un autre jour et je crois aux miracles. "
In just a few films, Audrey Hepburn invented the character of an elegant, sophisticated, and rebellious woman, embodying the "Parisienne' ideal. But of course, it was Hollywood's reworked and touched-up version. What remains of her legacy is her style, personality, and Givenchy wardrobe... as well as a profession of faith: "I believe that laughter is the best calorie burner. I believe in kisses. I believe in resilience when everything seems to be going wrong. I believe that happy girls are the most beautiful. I believe that tomorrow is another day and I believe in miracles.'
Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.
Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1.500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son «âge d'or de l'animation». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney: le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).
Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.
Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt, Brian Sibley et Didier Ghez racontent la fabrication de chaque film.
Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.
"One advantage I think is my design sense. When you're drawing, every element, every line, makes up what it is; and there is a feeling of that when I think about a shot." - Tim Burton
Tim Burton is the creative force behind some of the most celebrated films of the last four decades. He is internationally recognised as a master of the comically grotesque and the endearingly misfit. The World of Tim Burton will invite visitors into his world through an exploration of the design of his unique aesthetic. While most well-known for his cinematic work, this show will display the full extent of his production as an illustrator, painter, photographer, and author, as well as exploring some of the key collaborations that have helped shape his world. As a multi-disciplinary artist, his creations extend beyond the limits of mediums and formats. Drawn from Tim Burton's personal archive and representing the artist's creative output from childhood to the present day, this exhibition of drawings, paintings, photographs, sketchbooks, props, sculptural installations, storyboards and set design focuses on the recurrent visual themes and motifs found in the distinctive characters and worlds found in Burton's art and films.
This book will be the official catalogue for the exhibition, as well as the first publication to explore the relationship between Tim Burton's artistic creations and the world of design. The reader will be invited into an examination of what is now broadly referred to as the 'Burtonesque', exploring his iconic style and the impact his unique design aesthetic has on broader visual culture. The catalogue will unpack Tim Burton's distinctive visual language, exploring the intersection of gothic, carnivalesque and fantastical elements that define his cinematic masterpieces. Insightful essays by design experts and film critics, interspersed with images featured in the exhibition, will offer a deeper understanding of the director's creative process, making this catalogue an homage to the role that design practice plays in the hauntingly beautiful worlds he creates.
«Ce livre est en réalité deux livres. C'est à la fois une biographie et une rétrospective iconographique d'une actrice qui aura sans doute vécu sa plus grande histoire d'amour avec l'objectif des appareils photos», commentait Norman Mailer en 1973 dans sa biographie, Marilyn.
TASCHEN a réuni le texte originel de Mailer et les photographies prises par Bert Stern lors de la légendaire «Dernière Séance» - qui a donné, de l'avis général, les photos les plus intimes jamais prises de Marilyn - pour créer un hommage à l'image d'une femme, qui, au moment de sa mort en 1962, évoquait dans le monde entier et pour toute une génération le symbole absolu du glamour et de l'érotisme. Mais si son public l'adorait et l'acclamait, sa vie privée restait celle d'une petite fille perdue, recherchant éperdument amour et sécurité. La Marilyn de Mailer est à la fois magnifique, tragique et complexe. Alors qu'il retrace la vie de l'actrice - de son enfance déprimante jusqu'aux circonstances mystérieuses de son décès - elle apparaît progressivement comme le symbole de l'étrange décennie pendant laquelle elle a régné sans partage sur Hollywood.
Ce livre, conçu par Lawrence Schiller, collaborateur de Mailer sur 5 de ses livres, associe l'imposant texte de l'auteur aux photos pénétrantes de Stern, qui saisissent Marilyn à 36 ans. Photographiée pour le magazine Vogue pendant trois jours à l'hôtel Bel-Air, Marilyn ne s'était encore jamais livrée de manière si intime, jamais révélée aussi incroyablement belle. Six semaines plus tard, et dans d'étranges circonstances, elle mourait. À travers cette synthèse audacieuse d'un classique de la littérature et d'une séance photo légendaire, Mailer et Stern lèvent le voile de confusion qui entoure Marilyn - femme, vedette, sex-symbol - donnant à voir au plus près une icône dont la personnalité demeure, aujourd'hui encore, aussi énigmatique qu'évanescente.
On lui attribue, dans les années 1920, les premiers films impressionnistes, féministes, puis surréalistes. Qu'est-ce que le cinéma ? constitue la première édition des écrits théoriques de Germaine Dulac (1882-1942), pionnière du septième art, près de 75 années après la conception du manuscrit, où elle développe une réflexion sur le cinéma aux échos fortement contemporains.
Composé des nombreuses conférences de la cinéaste (1925-1939) assemblées par sa partenaire Marie-Anne Colson-Malleville et préservées dans les archives de Light Cone, cet ouvrage éclaire le rôle majeur de cette pionnière de l'avant-garde française, innovatrice de la pensée cinématographique moderne, qui théorisait déjà, dès les années 1920, ce qu'est le cinéma.
« L'oeuvre et la pensée de Germaine Dulac ont beaucoup compté dans l'histoire du cinéma. Ce livre permet de mieux la connaître et de l'apprécier. C'est très important pour faire vivre la cinéphilie, qui est d'ailleurs l'une des missions du CNC. » Dominique Boutonnat, Président du Centre national du cinéma et de l'image animée (CNC) Ouvrage récompensé du Prix du livre de cinéma 2020 du CNC.
Featuring 30 final frames from the film-all hand-drawn and gorgeously detailed-these collectible, one-of-a-kind postcards take you on a remarkable journey through director Hayao Miyazaki's fantastic supernatural spirit world.
* LUXE POSTCARD FORMAT: 30 different full-color images printed on quality cardstock and bound in a portfolio cover. Cards are easy to remove to send or frame. Features a range of key scenes and characters from the film!
* GREAT GIFT: Fans of Spirited Away, Hayao Miyazaki and Studio Ghibli will love this collection of postcards. A unique present for animation enthusiasts, collectors, and fans of Japanese art, stationery, and pop culture.
* BELOVED STUDIO WITH MASSIVE FAN BASE WORLDWIDE: Miyazaki is often called the "Walt Disney of Japan." The Ghibli Museum is a popular destination in Tokyo, seeing about 650,000 visitors a year. Six of Studio Ghibli's films received Academy Award (R) nominations in the United States.
* AWARD-WINNING FILM: Spirited Away has received universal critical acclaim, winning the Academy Award (R) for Best Animated Feature in 2003. Lauded as a masterpiece, the movie continues to appear on "best film" lists including in Rolling Stone, The New York Times, Time Out, and more.
Tim Burton is one of the most popular and innovative creative forces working in Hollywood today. From his first films as a cinema obsessed adolescent to his most recent Hollywood blockbusters like Sweeney Todd and Alice in Wonderland, this new monograph by acclaimed author and film critic Antoine de Baecque, takes readers on a behind the scenes journey through Burton's eccentric career. Featuring interviews with Burton himself that reveal quirky personal anecdotes, exhaustively researched and gorgeously illustrated with film stills, set photographs and a wide selection of Burton's drawings, this vivid account of one of American cinema's greatest stars will delight fans and critics alike.
Inside, Bill sheds light on his bizarre origins, his sinister effects on human history, the Pines familys most embarrassing secrets, and the key to overthrowing the world (laid out in a handy step-by-step guide). This chaotic and beautifully illustrated tome contains baffling riddles, uncrackable ciphers, lost Beware: This book travels to dimensions meant for older readers.
Ce volume célèbre l'univers créatif de Tim Burton et présente les archives personnelles du réalisateur - sa boîte à outils - dans un voyage qui emmène le lecteur au-delà des frontières du cinéma. Dessins et esquisses, story-boards et photographies, des centaines d'oeuvres composent un voyage extraordinaire à la découverte de ce qui a donné forme et sentiment aux premiers films d'animation de Burton, aux films en stop-motion et enfin aux films hollywoodiens en prises de vues réelles. Les textes critiques proposent une relecture du travail préparatoire qui a engendré à une cinématographie hors du commun, capable de combiner le cinéma d'art et d'essai avec la culture pop. Mais surtout, ce volume est un plaisir des yeux. Car bien avant de devenir réalisateur, Burton s'exprimait par le dessin, la peinture et la photographie, des techniques qui font partie intégrante du processus créatif qu'il poursuit encore aujourd'hui.
Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.
Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son « âge d'or de l'animation ». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney : le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).
Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.
Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt et Brian Sibley racontent la fabrication de chaque film.
Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.
From one of the most iconic actors in the history of film, an astonishingly revelatory account of a creative life in full
To the wider world, Al Pacino exploded onto the scene like a supernova. He landed his first leading role, in The Panic in Needle Park, in 1971, and by 1975, he had starred in four movies-The Godfather and The Godfather Part II, Serpico, and Dog Day Afternoon-that were not just successes but landmarks in the history of film. Those performances became legendary and changed his life forever. Not since Marlon Brando and James Dean in the late 1950s had an actor landed in the culture with such force.
But Pacino was in his midthirties by then, and had already lived several lives. A fixture of avant-garde theater in New York, he had led a bohemian existence, working odd jobs to support his craft. He was raised by a fiercely loving but mentally unwell mother and her parents after his father left them when he was young, but in a real sense he was raised by the streets of the South Bronx, and by the troop of buccaneering young friends he ran with, whose spirits never left him. After a teacher recognized his acting promise and pushed him toward New York's fabled High School of Performing Arts, the die was cast. In good times and bad, in poverty and in wealth and in poverty again, through pain and joy, acting was his lifeline, its community his tribe.
Sonny Boy is the memoir of a man who has nothing left to fear and nothing left to hide. All the great roles, the essential collaborations, and the important relationships are given their full due, as is the vexed marriage between creativity and commerce at the highest levels. The book's golden thread, however, is the spirit of love and purpose. Love can fail you, and you can be defeated in your ambitions-the same lights that shine bright can also dim. But Al Pacino was lucky enough to fall deeply in love with a craft before he had the foggiest idea of any of its earthly rewards, and he never fell out of love. That has made all the difference.
« Un biotope n'a rien de sympa, n'a rien de cool. On dévore et on y est dévoré, on y meurt pour que d'autres vivent, la justice ou l'équité sont loin d'y avoir toujours leur place. Cannes est un univers ultra-hiérarchisé, une forme extrême de la société de cour chère à Norbert Elias, qu'il s'agisse des festivaliers, dans et hors du Palais, ou des films. Mais ce système permet que perdure une multiplicité d'êtres qui ne s'aiment pas forcément, qui appartiennent à des espèces différentes, et qui ont besoin les uns des autres de manière plus ou moins amicale. L'essentiel est que l'équilibre général et ses effets sur les « individus », c'est à dire sur les films, sur ceux qui les font, ceux qui les montrent, ceux qui en parlent, ceux qui iront les voir, continuent de bénéficier globalement de tout ce circuit, ou même, comme on dit parfois, de tout ce cirque. Et c'est effectivement le cas, jusqu'à aujourd'hui et il faut le souhaiter pour longtemps encore, du Festival de Cannes.» - Jean-Michel Frodon
The complete Fleabag. Every Word. Every Side-eye. Every Fox. Fleabag: The Scriptures includes new writing from Phoebe Waller-Bridge alongside the filming scripts and the never-before-seen stage directions from the Golden Globe, Emmy and BAFTA winning series. ''Perfect'' Guardian ''Perfect'' Daily Telegraph ''Perfect'' Stylist ''Perfect'' Independent ''Perfect'' Evening Standard ''Perfect'' Metro ''Perfect'' Irish Times ''Perfect'' RTE ''Perfect'' Spectator ''Perfect'' Refinery29 ''Perfect'' Catholic Herald ''Perfection'' Financial Times *** HAIRDRESSER NO. (pointing to Claire) That is EXACTLY what she asked for. FLEABAG No it''s not. We want compensation. HAIRDRESSER Claire? CLAIRE I''ve got two important meetings and I look like a pencil. HAIRDRESSER NO. Don''t blame me for your bad choices. Hair isn''t everything. FLEABAG Wow. HAIRDRESSER What? FLEABAG Hair. Is. Everything. We wish it wasn''t so we could actually think about something else occasionally. But it is. It''s the difference between a good day and a bad day. We''re meant to think that it is a symbol of power, a symbol of fertility, some people are exploited for it and it pays your fucking bills. Hair is everything, Anthony .
He never won any Oscar and didn't always have the audience's favors. His filmography is short and unbalanced. But his films became cult and many movie fans and contemporary directors like Tarantino or Scorsese, claim his influence. This books provides a unique perspective on his entire works.
Track list : - The traitor and the hero, by F. Ganzo - In conversation with Sam Peckinpah.
- 1961-1965, Early lateness. Sam Peckinpah before The Wild Bunch, by C. Fujiwara.
- Interview with Gordon T. Dawson, by M. Dubreuil.
- 1969-1973, Spurs. The styles of Sam Peckinpah, by E. Burdeau.
- The dance of Pat Garrett, by Carlo Chatrian.
- Sam Peckinpah by Sam Fuller.
- 1974-1983, when legends die, by C. Huber.
- Interview with Kris Kristofferson, by F. Ganzo.
- Wild West, Domestic gaze. Sam Peckinpah and television, by J-F. Rauger.
+ film shoot stories.
Le compagnon officiel de The French Dispatch et du dernier volume de la série à succès Wes Anderson Collection The French Dispatch - le dixième long métrage du scénariste-réalisateur Wes Anderson - rassemble les histoires d'un groupe excentrique de journalistes expatriés travaillant pour le journal américain titulaire à Ennui-sur-Blasé, au XXe siècle, en France. Décomposée en une série de vignettes, cette lettre d'amour à l'ère du nouveau journalisme est remplie d'un casting de collaborateurs fréquents d'Anderson, dont Jason Schwartzman, Bob Balaban et Willem Dafoe, ainsi que de nouveaux joueurs Timothée Chalamet, Jeffrey Wright, Elisabeth Moss et Benicio del Toro. Dans cette dernière entrée en un volume de la série Wes Anderson Collection - le seul livre à emmener les lecteurs dans les coulisses de The French Dispatch - tout ce qui entre dans la présentation du style caractéristique d'Anderson, des compositions complexes et de la mise en scène méticuleuse à l'écran est révélé en détail . The Wes Anderson Collection: The French Dispatch présente l'histoire complète de la conception du film, des anecdotes sur la réalisation du film, des photos des coulisses, du matériel de production et des illustrations conceptuelles. Matt Zoller Seitz est le rédacteur en chef de RogerEbert.com; le critique télévisé du magazine New York; l'auteur de The Wes Anderson Collection, The Wes Anderson Collection: The Grand Budapest Hotel, The Oliver Stone Experience et Mad Men Carousel; et le co-auteur de The Sopranos Sessions. Il est basé à New York.
From sharp suits and cult watches to glamorous gowns and scene-stealing bathing suits, James Bond Style explores the timeless fashion in all twenty-five Bond movies, not only of 007 himself throughout the eras, but also his nemeses, love interests, and colleagues. Academy-Award-winning costume designer Lindy Hemming, who worked on five Bond films, wrote the book's text and captions, in addition to contributing to creative direction and photo selection. The book also includes an introduction from Dylan Jones OBE, editor-in-chief of the London Evening Standard.
The book is separated by Bonds in chronological order, namely Sean Connery, Roger Moore, George Lazenby, Timothy Dalton, Pierce Brosnan, and Daniel Craig, each chapter filled with the most iconic looks from the actors' films, from Dr. No to No Time To Die. In addition, there are extensive behind-the-scenes insights and stories from both the costume designers who worked on every movie as well the actual designers behind the outfits-think: Donatella Versace, Tom Ford, and Jenny Packham-plus a host of actors, from Pierce Brosnan and Daniel Craig to Michelle Yeoh and Grace Jones. These anecdotes reveal the sheer scale of the business that is Bond style, for instance, thirty-three bespoke Tom Ford tuxedos were made for No Time To Die in record time (and received just twenty- four hours before filming), while in Quantum Of Solace, Prada fabricated twenty dresses for Olga Kurylenko-as she wore the piece through most of the film, they needed one dress for each stage of the action, from brand-new to dust-covered to ruined.
And all the most memorable moments are inside, like Ursula Andress emerging from the waves in that famous white bikini, to the homages to that scene: Halle Berry in a shocking orange La Perla bathing suit in Die Another Day, and, in a completely unplanned and now completely viral take, Daniel Craig, also in La Perla, on a Bahamian beach in Casino Royale (one of the trunks used was later auctioned for £44,450).
Thanks to its never-before-seen sketches, detailed fashion analysis, and extensive research by the series official archivist, we're confident in saying that no book in history has chronicled the sartorial aspect of the Bond franchise as comprehensively as James Bond Style, otherwise known as the ultimate Bond style bible.
Gary Cooper, idole des années 1940, a su se distinguer par son style élégant, atemporel et spontané. Ce livre rend hommage à sa garde-robe et à son gout unique, présentant un vaste répertoire de ses looks allant des vêtements de sport décontractés aux costumes parfaitement taillés.
A visual tribute to Agnès Varda's three lives as a photographer, filmmaker and artist, with previously unseen archival materials, texts and personal reflections from Jane Birkin, Martin Scorsese, JR and more.
French filmmaker Agnès Varda was a trailblazer who broke new artistic and cinematic ground for nearly seven decades. Although closely associated with the French New Wave, Varda established her groundbreaking visual style in her 1955 debut film La Pointe Courte, well before other milestones such as François Truffaut's The 400 Blows and Jean-Luc Godard's Breathless. Varda impacted cinema from her first feature film through her final works, with an expansive oeuvre that includes Cleo from 5 to 7 (1962), Vagabond (1985) and the Academy Award-nominated Faces Places (2017).
Agnès Varda: Director's Inspiration presents the first English-language visual showcase for Varda's inspirations, art and personal life, incorporating original materials from her personal archive on rue Daguerre. The book covers Varda's "three lives"?as photographer, filmmaker and visual artist?and features a previously unpublished interview Varda gave to the Academy of Motion Picture Arts and Sciences on the eve of receiving her Honorary Oscar in 2017. Essays by author Sasha Archibald and film critic Peter Debruge examine facets of Varda's creative lives, and personal reflections by friends and colleagues illustrate what it was like to collaborate with and be inspired by Varda.
Agnès Varda (1928-2019) was a French filmmaker, photographer and visual artist, sometimes called the grandmother of the French New Wave. In 2018, her film with the French photographer and muralist known as JR, Faces Places, received an Academy Award nomination for Best Documentary Feature, and that same year she received an honorary Academy Award for lifetime achievement.
Cet ouvrage collectif propose de traiter quelques aspects de la question du genre dans une
sélection de films et séries anglophones sous différents angles incluant la critique postmulveyienne,
la déconstruction des normes genrées, la masculinité, les films de genre et
la réception des oeuvres. Il répond à l'intérêt toujours croissant du monde universitaire et
du public pour ce domaine en constante évolution, permettant l'analyse de films de
différentes époques, des années 1930 à aujourd'hui, sous un jour nouveau. Les films et
séries ont de tout temps traité des relations genrées comme le miroir d'une époque, d'un
climat socio-politique, d'une ère culturelle ou de mutations sociétales, devenant le terreau
d'un champ d'étude foisonnant dont cet ouvrage donne un aperçu.
