Les expérimentations du cinéaste dans les codes du cinéma de genre - film criminel, mélodrame, SF - y sont envisagées comme autant d'issues cherchées à un cinéma d'Allemagne impossible, tendu entre une industrie culturelle nationale sortie du IIIe Reich radicalement discréditée et l'empire exercé par les États-Unis sur le marché du film et la fabrique des imaginaires. Puisque c'est à Hollywood qu'est né le désir de cinéma de Fassbinder dans la RFA de l'après-guerre, que faire, sinon tenter d'en autochtoniser les images, risquer des films de gangsters allemands, des mélodrames d'immigrés et de déclassés munichois ? Et dans quelles images parvenir encore à machiner son désir dans la nouvelle conjoncture sensible imposée par l'Automne allemand et l'emprise de la communication médiatique ? Pour qui n'a pas de moyens d'expression propres mais seulement des langues étrangères à la fois incontournables et inappropriables, la citation se révèle le geste par excellence d'un cinéma mineur, voué à travailler dans des images d'emprunt, et à acclimater impossiblement les manières de vivre qu'elles prescrivent aux corps censés les incarner.
On lui attribue, dans les années 1920, les premiers films impressionnistes, féministes, puis surréalistes. Qu'est-ce que le cinéma ? constitue la première édition des écrits théoriques de Germaine Dulac (1882-1942), pionnière du septième art, près de 75 années après la conception du manuscrit, où elle développe une réflexion sur le cinéma aux échos fortement contemporains.
Composé des nombreuses conférences de la cinéaste (1925-1939) assemblées par sa partenaire Marie-Anne Colson-Malleville et préservées dans les archives de Light Cone, cet ouvrage éclaire le rôle majeur de cette pionnière de l'avant-garde française, innovatrice de la pensée cinématographique moderne, qui théorisait déjà, dès les années 1920, ce qu'est le cinéma.
« L'oeuvre et la pensée de Germaine Dulac ont beaucoup compté dans l'histoire du cinéma. Ce livre permet de mieux la connaître et de l'apprécier. C'est très important pour faire vivre la cinéphilie, qui est d'ailleurs l'une des missions du CNC. » Dominique Boutonnat, Président du Centre national du cinéma et de l'image animée (CNC) Ouvrage récompensé du Prix du livre de cinéma 2020 du CNC.
Les images ne sont pas des choses. Les images sont des sites. S'agissant de ces images particulières que sont les films, notre temps ne cesse de nous le rappeler en basculant et bousculant ce que nous en avons pensé jusque-là. Les films n'ont jamais autant bougé ni notre regard avec eux - à tel point que le cinéma est devenu pour beaucoup insituable, partout et nulle part, délayé dans une concentration horizontale des pratiques des films où son privilège historique a fini par s'éteindre. Il est même de moins en moins nécessaire pour qu'il y ait film que quelque chose soit filmé.
L'hypothèse de ce livre est que ces métamorphoses et ces nouvelles pratiques, pour relativement récentes qu'elles soient, témoignent moins d'une révolution historique qu'elles n'éclairent potentiellement n'importe quel film d'un effet de loupe épistémologique et spéculatif nous invitant tout aussi bien à sortir du cinéma au sens strict qu'à remonter aussi dans le passé de son histoire. Les films ne sont que des relations, des bretelles, des tournures et des détours, et le cinéma sera pris ici moins comme un objet d'étude que comme une méthode d'investigation du visible et un trajet dans la pensée théorique des images.
Le premier ouvrage consacré à la vie et à l'oeuvre du graphiste emblématique du cinéma américain et réalisateur oscarisé Saul Bass (1920-1996).
Saul Bass a défini une ère novatrice du cinéma. Ses séquences de titre pour des films tels que Anatomie d'un meurtre (1959) d'Otto Preminger, Vertigo (1958) et La Mort aux trousses (1959) d'Alfred Hitchcock, ont introduit l'idée que les génériques pouvaient raconter une histoire, en créant l'ambiance du film qui allait suivre. L'influence stylistique de Bass est visible dans les franchises hollywoodiennes populaires, de La Panthère rose à James Bond, ainsi que dans des oeuvres plus contemporaines telles que Catch Me If You Can (2002) de Steven Spielberg et Mad Men à la télévision.
Premier ouvrage à se pencher sur la vie et l'oeuvre de ce personnage fascinant, Saul Bass. Autopsie du design cinématographique explore la carrière révolutionnaire du designer et son impact durable sur les industries du divertissement et de la publicité. Jan-Christopher Horak retrace la carrière de Bass depuis ses humbles débuts d'artiste autodidacte jusqu'à son apogée professionnelle, lorsque des réalisateurs comme Stanley Kubrick ou Martin Scorsese ont fait appel à lui comme collaborateur. Il explique également comment Bass a intégré dans son travail des concepts esthétiques empruntés à l'art moderne, en les présentant d'une manière nouvelle qui les rendait facilement reconnaissables par le public.
Cet ouvrage incontrournable, traduit ici pour la première en français, éclaire le processus créatif du maître incontesté de la conception de titres de films, un homme dont les talents multidimensionnels et la capacité unique à associer le grand art et les impératifs commerciaux ont profondément influencé des générations de cinéastes, de concepteurs et de publicitaires.
Ce livre magnifique et quelque peu mystérieux contient une collection inédite de lettres que les célèbres frères Jonas et Adolfas Mekas ont envoyées, depuis les Etats-Unis, au village de Semeniskiai (Lituanie). Toutes étaient adressées à la personne la plus importante de leur vie: Elzbieta Mekas, leur mère.Que s'écrit une famille séparée par la guerre ; deux frères d'un côté de l'océan et leur mère de l'autre ? Les lettres rassemblées dans ce livre, écrites entre 1957 et 1995, répondent à cette question. Accompagné de nombreuses photographies issues du quotidien des deux frères, ce livre illustre et contextualise leur vie aux États-Unis ainsi que leurs visites en Lituanie dans les années 1970. Les frères Mekas ont fui vers l'Ouest en 1944 et sont arrivés à New York en 1949, où ils sont tous deux devenus artistes. Alors que débutait la Guerre Froide, ils ont commencé à écrire des lettres à leur mère, rétablissant une connexion et un dialogue perdus depuis longtemps.Ligne(s) de vie montre deux vies évoluant en parallèle dans le monde libre et dans un pays occupé. Les lettres retracent un amour sincère et une reconnaissance permanente des deux fils envers leur mère, auxquelles s'ajoutent des observations sur le quotidien aux États-Unis et des références à leurs créations. Ouvrage récompensé du prix du plus beau livre lituanien, Baltic Book Art Competition, 2022.
Un ensemble de textes inédits et de nouvelles traductions pour redécouvrir la pensée du cinéaste d'avant-garde et théoricien soviétique Dziga Vertov, assortis d'un appareil critique et de nombreux documents iconographiques.
Une anthologie des très nombreux textes théoriques et critiques sur le cinéma expérimental et les images en mouvement écrits par Yann Beauvais, en parallèle de ses films et de ses activités de programmateur et de commissaire d'exposition, publiés dans des revues, des catalogues ou des ouvrages collectifs, en français, en anglais, portugais, allemand, etc.
Réunissant des textes parus depuis 1979, cet ouvrage dresse une impressionnante cartographie du cinéma expérimental passé et présent. Il retrace l'histoire de ses auteurs et de ses lieux, interroge le travail de la lumière, de l'espace, du montage et du son, interpelle les conditions de projection et les formes narratives. Il s'intéresse au found footage et au sample, aux pratiques du journal filmé, au cinéma LGBT et queer, au musical. Il dialogue avec des cinéastes en France, en Angleterre, en Allemagne et en Amérique du Nord, mais aussi à Taïwan, au Brésil, en Europe centrale et balkanique, etc. Au fil des pages, il démontre surtout la vitalité du film comme une pratique esthétique et politique pouvant mettre en cause tant les formes artistiques que les formes sociales.
The very best portrait photography of the film-noir era, with previously unpublished images from beloved gems such as The Night of the Hunter and Sweet Smell of Success.
With its singular focus on the very best portrait photography of the 1940s and 1950s Hollywood film noir era, every page of this coffee-table volume is rich in brooding atmosphere. The portraits gathered here, of actors such as Rita Hayworth, Orson Welles, Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Barbara Stanwyck, Robert Mitchum, Jane Greer, Gene Tierney, Burt Lancaster, Ava Gardner, Jack Palance, Joan Crawford and Richard Widmark, were taken by premier studio photographers such as Robert Coburn, Ernest Bachrach and A.L. Whitey Schafer. Their remarkable ability to exaggerate the play of shadow and light to dramatic effect is the reason that their work still has the same ability to arrest the viewer as it did in the 1940s. The photographs remain some of the most innovative and striking portraits in the history of cinema.
Carefully curated, the photographs are taken from the collection of MPTV, one of the world's most exclusive archives of entertainment photography. The book includes many previously unseen images, including hitherto unpublished outtakes from The Night of the Hunter (1955) and Sweet Smell of Success (1957); and classic moments from films such as Gilda (1946), Double Indemnity (1944), The Lady from Shanghai (1947) and celebrated B-noirs such as Gun Crazy (1950) and The Hitch-Hiker (1953). Reel Art Press' exquisite print quality serves to emphasize the timeless power of the black-and-white studio portraiture.
A century of classic vampire cinema--in posters, stills and artwork--from Murnau to True Blood and beyond.
This visual feast celebrates classic vampire cinema--mainstream and niche--through the many colorful ways in which the key films have been marketed and consumed.
F.W. Murnau's haunting film Nosferatu had its premiere in Berlin in March 1922. Bram Stoker's widow, Florence, tried hard to sue the production company for breach of copyright but had to settle in the end for a court order to destroy all prints and negatives. The film kept resurrecting, though, and is now considered the first, and one of the greatest, of all vampire movies--the founder of a dynasty of prints of darkness.
The bloodline has spread from Nosferatu to Hollywood's Dracula and progeny (1931-48); from Hammer's Dracula/Horror of Dracula and sequels (1958-74) to versions of Sheridan Le Fanu's story "Carmilla" and other lesbian vampires (1970-2020); from the bestselling novels 'Salem's Lot and Interview with the Vampire to vampires who have shed their capes, hereditary titles and period trappings to become assorted smalltown oddballs, addicts, delinquents, psychopaths, rednecks, fashionistas, gay icons, comedians and even comic-book heroes (1975-2022).
This book is dripping with stills, posters, artworks, press books--many of which have not seen the light of day for a very long time--and is authored by cultural historian and connoisseur of the Gothic Christopher Frayling, who has been called "the Van Helsing de nos jours." Christopher Frayling (born 1946) is a recognized authority on Gothic fiction and horror movies. His study Vampyres (1978, 1990, 2016) and his classic four-part television series Nightmare: The Birth of Horror (1996) have helped to move Gothic horror from margin to mainstream. He is the author of Frankenstein and Once upon a Time in the West.
Textes de Philippe Azoury, Anne Dary, Donatien Grau, Élisabeth Lebovici, Brice Pedroletti, Thomas Schlesser.
Le film de Charles de Meaux (avec Fan Bingbing, Melvil Poupaud, Jin Shi-Jye, Wu Yue, Thibault de Montalembert, Féodor Atkin), en livre - textes de Philippe Azoury, Anne Dary, Donatien Grau, Élisabeth Lebovici, Brice Pedroletti, Thomas Schlesser -, Blu-Ray et DVD : une fresque singulière qui explore le rapport entre la tradition artistique impériale chinoise et l'art occidental, en même temps que le rapport entre la peinture et le cinéma.
C'est l'histoire d'une rencontre. C'est aussi l'histoire d'un portrait qui est lui-même une rencontre entre l'art chinois immuable et l'art occidental. Au milieu du XVIIIe siècle, le jésuite Jean-Denis Attiret est un des peintres officiels de la cour impériale de Chine. Il se voit confier la tâche honorifique de faire le portrait de l'impératrice Ulanara. Cette concubine, devenue impératrice à la suite de la mort de la première femme de l'empereur Qianlong, aura un destin très particulier. Rejetée et humiliée par l'empereur, elle finira sa vie seule et abandonnée de tous, sorte de figure romantique avant l'heure. D'elle ne restera que ce portrait à la sensualité énigmatique de Joconde asiatique.
Le film raconte ce moment fiévreux, où l'impératrice chinoise rencontre le peintre jésuite. Un moment où la relation électrique entre un peintre et son modèle est prise en étau dans les contraintes de la cour et les différences culturelles les plus extrêmes.
« Cette oeuvre pourrait devenir une référence en matière de reconstitution raffinée de la Chine ancestrale. ».
Vincent Ostria, L'Humanité.
« Un brillant jeu de miroirs qui reflète le caractère intraduisible de la tradition chinoise par le regard occidental. ».
Luc Chessel, Libération.
« Ce traité d'art et de culture entremêle avec goût sensualité et impertinence. ».
Vincent Ostria, Les Inrockuptibles.
« Inspirée d'une histoire vraie, une fresque romanesque et somptueuse, sur les traces de la Joconde asiatique au temps de la Chine impériale. ».
Guillemette Odicino, Télérama.
Nouvelles perspectives pour une histoire du cinéma muet italien.
L'histoire du cinéma possède encore des continents mystérieux. Parmi ceux-là, une Atlantide oubliée depuis trop longtemps : le cinéma muet italien. Il a pourtant bénéficié, dès les années qui succédèrent son invention, d'une renommée internationale, fascinant les foules, les intellectuels et les artistes de l'Europe entière. Ces films tournés en Italie entre 1896 et 1930 deviennent désormais accessibles grâce aux campagnes de restauration, de digitalisation et de mise en ligne qui offrent enfin la possibilité de poser un nouveau regard sur ce patrimoine culturel. L'ouvrage plonge au coeur de ce qui fonde l'esthétique du cinéma muet italien dans le rapport intrinsèque qu'il entretient avec les autres arts. Danse, théâtre, opéra, littérature, arts figuratifs : le cinéma s'invente aussi bien à partir des grandes oeuvres classiques que celles les plus en vogue circulant à travers des médias alors en pleine expansion. Des premières vues documentaires, immortalisant les paysages et monuments italiens, aux péplums monumentaux, en passant par les mélodrames qui révélèrent les premières grandes actrices féminines, ou encore les adaptations littéraires de la Film d'Arte Italiana, le cinéma naît avec cette faculté insolite et merveilleuse a` absorber, revisiter et transformer une multitude de formes et de disciplines artistiques. L'ensemble des textes sont traversés par une forte volonté d'insister sur la portée innovante du septième art dans sa capacité de réemploi.
L'une des premières analyses à la fois historiques et théoriques de l'impact de l'avènement du numérique sur toutes formes de productions culturelles, Le langage des nouveaux médias constitue un ouvrage de référence sur le sujet. Fondateur de la discipline des software studies, Manovich y propose une analyse systématique et rigoureuse des mécanismes culturels engendrés par la généralisation de l'informatique, au travers de l'étude de nombreuses oeuvres d'art, des avant-gardes historiques aux productions les plus récentes faisant appel aux technologies numériques.
Prenant pour point de départ une photographie de l'actrice Jane Fonda au Vietnam, Jean-Luc Godard et Jean-Pierre Gorin offrent une réflexion sur le rôle des intellectuels dans le processus révolutionnaire. Parue en 1972 dans la revue Tel Quel, cette Lettre à Jane, à présent rééditée par Alfredo Jaar, se lit également aujourd'hui comme l'un des textes testamentaires du Groupe Dziga Vertov.
Lettre à Jane fut publié à l'origine en 1972 par Jean-Luc Godard et Jean-Pierre Gorin dans la revue littéraire française d'avant-garde Tel Quel, sous forme de lettre adressée à Jane Fonda, dans laquelle Godard et Gorin évoquent une image de l'actrice figurant dans l'article Retour de Hanoï, publié cet été-là par L'Express. Les deux cinéastes décidèrent d'utiliser cette image pour promouvoir leur film Tout va bien, où figurait la star, sorti la même année. Cette lettre servit également de trame à un court métrage, Letter to Jane, dont les auteurs assurèrent les commentaires et qui fut diffusé en post-scriptum à Tout va bien.
Voir aussi Pier Paolo Pasolini : The Ashes of Gramsci ; John Cage : Other People Think (édités par Alfredo Jaar).
French New Wave célèbre les affiches explosives et révolutionnaires qui ont accompagné certains des plus célèbres films de la nouvelle vague comme The 400 Blows (1959), Jules et Jim (1962) et Les Parapluies de Cherbourg (1964). Présentant des affiches de plus de 20 pays, les images sont accompagnées des biographies d'une centaine d'artistes, photographes et designers impliqués comme Jean-Michel Folon, Boris Grinsson, Waldemar Swierzy, Christian Broutin, Tomasz Ruminski, Hans Hillman, Georges Allard, René Ferracci, Bruno Rehak, Zdenek Ziegler, Miroslav Vystrcil, Peter Strausfeld, Maciej Hibner, Andrzej Krajewski, Maciej Zbikowski, Josef Vyletal, Sandro Simeoni, Averardo Ciriello, Marcello Colizzi et bien d'autres.
La redéfinition du médium à travers les interrelations entre art contemporain et cinéma.
Ces dernières décennies, le développement de pratiques artistiques ayant recours aux « nouveaux médias », tout comme le passage de l'argentique au numérique ou les nouvelles formes de visionnement et d'archivage qu'il implique, a précipité la nécessité de repenser et de questionner la définition du médium. Face à un panorama artistique, cinématographique et technologique en constante transformation, cet ouvrage s'inscrit dans un champ de recherche transdisciplinaire en plein essor - Medienwissenschaft allemande, media studies anglophones, études médiatiques canadiennes ou encore médiologie en France. Dans ce livre est ainsi envisagé, au fil de dix-neuf contributions, un vaste champ de médiations de la perception et de l'expérience, de la représentation et de la communication, de l'enregistrement et de la transmission.
Première traduction française d'un article fondateur de la réflexion sur la comédie musicale hollywoodienne.
Produite par une petite élite pour un public de consommateurs large et aux contours mal définis, la comédie musicale réflexive tente de dépasser une telle division en situant la source de la performance musicale dans le peuple. En encourageant une forme d'identification collective, le musical vise à donner au public le sentiment d'avoir participé à la création du film lui-même. Il apparaît alors comme un art de masse aspirant à la condition d'un art traditionnel (folk), c'est-à-dire produit et consommé par une seule et même communauté.
Jane Feuer dévoile dans cet ouvrage la manière dont la réflexivité spécifique à ce genre, centrée sur l'exhibition des coulisses du spectacle, contribue à édifier une série de mythes visant à renforcer les valeurs idéologiques de l'industrie du divertissement. Deux textes complémentaires mettent en perspective cette étude, en la situant historiquement et en évaluant sa portée théorique pour l'analyse des films musicaux, jusqu'à aujourd'hui.
Raphaël Minnesota retrace la carrière et parcourt l'entièreté de l'oeuvre de Patrice Kirchhofer (1953-2019), l'un des cinéastes les plus mystérieux et mythiques du cinéma expérimental français (avec de nombreux documents, une préface de Nicole Brenez et des textes et entretiens de Kirchhofer lui-même).
L'oeuvre singulière de Patrice Kirchhofer nous plonge dans l'époque foisonnante du cinéma expérimental français des années 1970. Cinéaste radical, il n'a jamais voulu faire commerce de ses oeuvres, allant jusqu'à refuser les propositions d'achat du Centre Pompidou. Inspiré par la linguistique et la pensée structuraliste, il réalise des séries de films aux titres mystérieux, Sensitométrie, Chromaticité, Densité Optique, Anorexie, avec lesquels il explore le potentiel plastique et cinétique du cinéma. Particulièrement actif dans les milieux du cinéma alternatif (Collectif Jeune Cinéma, Light Cone) et à l'initiative de plusieurs collectifs (Coopérative des Cinéastes, KMP), il a aussi été le chef opérateur de cinéastes et personnalités phares du cinéma expérimental (Louis Skorecki, Gérard Courant, Martine Rousset, Gisèle et Luc Meichler, Stuart Sherman, Dominique Noguez).
À partir d'une étude minutieuse de sa filmographie, l'auteur explore la création d'images de Patrice Kirchhofer. Décomposition de la pellicule, élaboration d'image-mouvement, abstraction, expérimentation narrative, autant de gestes créatifs qui ouvrent la porte à une sémiologie du cinéma et tissent délicatement un lien entre cinéma et art pariétal.
Derrière cette monographie de Patrice Kirchhofer se dessine en filigrane le panorama d'une génération qui a marqué l'histoire du cinéma expérimental.
« Les jeunes artistes ont un flair redoutable pour repérer les histoires à bout de souffle », écrit le critique d'art Brian O'Doherty en 1976. Dans le courant des années 1970, les images en mouvement prêtent main forte à un affranchissement : forger une alternative aux ambitions théoriques et politiques dominantes. Gordon Matta-Clark, James Benning et Chris Marker : trois manières de mettre en oeuvre, par le film, une pratique de l'évidement, du négatif, qui veille sur les objets déchus mais précieux. Le support filmique devient, entre leurs mains, la matière d'une expérience critique décisive.
Gagnées à cette énergie, dans leur sillage, des oeuvres contemporaines prolongent ce mouvement engagé depuis les marges. Les films de Tacita Dean, Matthew Buckingham, Clemens von Wedemeyer, Mike Kelley, Gerard Byrne et Jeremy Deller refusent l'embaumement, le confort, la maîtrise. Ils s'installent au contraire dans un échange dense et risqué avec les réalités dont ils décident de se saisir. Chercheurs d'or, les artistes travaillent à extraire, d'une matière trop lisse, les pépites qui résistent à une vision linéaire de l'histoire.
Première étude monographique consacrée à l'oeuvre de la cinéaste et photographe franco-libanaise, ce volume propose un ensemble d'analyses esthétiques, précédé d'une chronologie détaillée des productions journalistiques, cinématographiques et artistiques de Jocelyne Saab entre 1970 et 2015.
Jocelyne Saab est née et a grandi à Beyrouth dans les années 1950. En 1973 elle devient reporter de guerre au Moyen-Orient en couvrant la guerre d'Octobre pour le magazine 52 de la troisième chaîne française. En 1975 elle dirige son premier long métrage, un documentaire, Le Liban dans la tourmente, qui sort en salle à Paris. Après avoir couvert la guerre quinze ans durant au jour le jour dans son pays, réalisé plus de trente films et reçu plusieurs prix internationaux, notamment pour son film sur le siège de Beyrouth en 1982 Beyrouth ma ville, elle réalise au Vietnam le documentaire La Dame de Saïgon, prix du meilleur documentaire français. Jocelyne Saab se tourne ensuite vers la fiction en tant qu'assistante de réalisation de Volker Shloendorf sur Le Faussaire. En 1985 elle réalise son premier long-métrage, Une vie suspendue (L'Adolescente sucre d'amour), sélectionné au Festival de Cannes à la Quinzaine des réalisateurs, suivi de Il était une fois Beyrouth, film dédié à l'anniversaire des cent ans du cinéma. Son film Dunia, tourné en Egypte en 2005 et traitant du thème du plaisir lui vaudra d'être condamnée à mort par les fondamentalistes égyptiens. Parallèlement au cinéma, Jocelyne Saab mène depuis 2007 une activité d'artiste plasticienne.
Un autoportrait (le recueil des entretiens, correspondances et déclarations de Robert Breer sur une cinquantaine d'années).
Robert Breer A à Z est un autoportrait de Robert Breer. Sa vie et son oeuvre sont présentées comme un lexique imaginaire, une forme que le cinéaste a toujours considérée comme emblématique de la vie elle-même, c'est-à-dire joyeuse, imprévisible et chaotique. Tiré d'entretiens, de correspondances personnelles et de déclarations publiques datant de 1957 à 2009, Robert Breer A à Z réunit en un seul volume les réflexions de l'artiste autour de ses films et ses multiples incursions dans la peinture, le dessin et la sculpture cinétique.
« Quand on sort dans la rue après avoir vu des films de Breer, tout a l'air différent, comme si on voyait tout à travers le prisme de l'artiste, qui nous donne à ressentir une autre notion du temps et d'autres types de rapports. Pensez à l'équilibre entre l'abstrait et le figuratif... à la manière dont les objets et les images se métamorphosent, se brisent, se dilatent, se dégonflent... à la manière dont les formes refluent du chaos pour s'y laisser à nouveau submerger. La vie quotidienne, quoi ! » Amy Taubin, Soho Weekly News, 1980 « Il est intéressant de remarquer que dans un dictionnaire, les illustrations sont arbitraires et illogiques. Mais personne ne se plaint de cette absence de logique. On trouvera ainsi l'image d'une célébrité à côté de celle d'un canard, parce que les deux commencent par la lettre C. J'imagine que c'est un éditeur qui fait ces choix, qui sont sans rapport avec un quelconque sens visuel. Ce qui compte c'est l'alphabet, aller de A à Z, selon un ordre qui est tout aussi arbitraire. Les dictionnaires sont pris très au sérieux. J'imagine que les gens ne voient pas cet arbitraire comme une forme d'anarchie, pourtant c'est le cas. » Robert Breer, 2006
En 1978, le magazine Time estimait qu'environ 80 % des bandes dessinées américaines professionnelles étaient juives, et l'humour juif reste une pierre angulaire de la culture et de l'humour populaires américains. Ce livre n'est pas conçu comme un tome définitif mais est plutôt une célébration joyeuse et irrévérencieuse de la grande photographie et de certains des plus grands one-liners du 20e siècle, mûrs en satire, anecdote, autodérision et ironie.
Première étude exhaustive en anglais consacrée au sujet, ce livre retrace l'évolution du cinéma expérimental suisse du milieu des années 1960 au début des années 2000. Abordant les relations entre l'art contemporain et le cinéma underground, les films formels et amateurs, la vidéo, le « cinéma élargi » et la performance, la scène locale et les influences extérieures, il souligne également le rôle vital des écoles d'art, des festivals et de divers protagonistes clés. Avec des essais sur Robert Beavers et Gregory Markopoulos, Peter Liechti, le cinéma à la Kunsthalle Bern sous la direction de Harald Szeemann, Annette Michelson, Tony Morgan et Kurt Blum, le volume propose ainsi une archéologie active permettant de repenser le cinéma alternatif et d'avant-garde en Suisse et d'ouvrir de nouvelles perspectives.
