« Un biotope n'a rien de sympa, n'a rien de cool. On dévore et on y est dévoré, on y meurt pour que d'autres vivent, la justice ou l'équité sont loin d'y avoir toujours leur place. Cannes est un univers ultra-hiérarchisé, une forme extrême de la société de cour chère à Norbert Elias, qu'il s'agisse des festivaliers, dans et hors du Palais, ou des films. Mais ce système permet que perdure une multiplicité d'êtres qui ne s'aiment pas forcément, qui appartiennent à des espèces différentes, et qui ont besoin les uns des autres de manière plus ou moins amicale. L'essentiel est que l'équilibre général et ses effets sur les « individus », c'est à dire sur les films, sur ceux qui les font, ceux qui les montrent, ceux qui en parlent, ceux qui iront les voir, continuent de bénéficier globalement de tout ce circuit, ou même, comme on dit parfois, de tout ce cirque. Et c'est effectivement le cas, jusqu'à aujourd'hui et il faut le souhaiter pour longtemps encore, du Festival de Cannes.» - Jean-Michel Frodon
Le grand magicien.
Un merveilleux voyage à travers les dessins animés de Walt Disney Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.
Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1.500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son «âge d'or de l'animation». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney: le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).
Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.
Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt, Brian Sibley et Didier Ghez racontent la fabrication de chaque film.
Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.
Dans Les fantômes dont on ne se débarrasse pas, Frieda Grafe analyse le film de Joseph L. Mankiewicz, The Ghost and Mrs. Muir, réalisé en 1947. Il s'agit d'une comédie ironique sous forme de film gothique. Une jeune veuve emménage dans une maison hantée par le fantôme de l'ancien propriétaire, le Captain Gregg, qui se serait suicidé, et dont le portrait est accroché dans une des pièces. À sa suggestion, Mrs. Muir va coucher sur papier le récit de la vie du capitaine qu'il lui dicte dans un langage truculent. Dans le texte de Grafe, il n'y a pas de fantôme, mais un double masculin imaginé par Mrs. Muir, qui lui/nous apparaît sous la forme du très viril Captain Gregg. « Un «rôle de pantalon mental», écrit Frieda Grafe, que Mrs. Muir s'est créé par l'incorporation voluptueuse de la figure masculine, ce qui lui confère cette part de liberté qui la distingue de ses contemporaines », écrit Katharina Sykora. Quand une femme écrit un livre...
On lui attribue, dans les années 1920, les premiers films impressionnistes, féministes, puis surréalistes. Qu'est-ce que le cinéma ? constitue la première édition des écrits théoriques de Germaine Dulac (1882-1942), pionnière du septième art, près de 75 années après la conception du manuscrit, où elle développe une réflexion sur le cinéma aux échos fortement contemporains.
Composé des nombreuses conférences de la cinéaste (1925-1939) assemblées par sa partenaire Marie-Anne Colson-Malleville et préservées dans les archives de Light Cone, cet ouvrage éclaire le rôle majeur de cette pionnière de l'avant-garde française, innovatrice de la pensée cinématographique moderne, qui théorisait déjà, dès les années 1920, ce qu'est le cinéma.
« L'oeuvre et la pensée de Germaine Dulac ont beaucoup compté dans l'histoire du cinéma. Ce livre permet de mieux la connaître et de l'apprécier. C'est très important pour faire vivre la cinéphilie, qui est d'ailleurs l'une des missions du CNC. » Dominique Boutonnat, Président du Centre national du cinéma et de l'image animée (CNC) Ouvrage récompensé du Prix du livre de cinéma 2020 du CNC.
Engagé en 1976 par Francis Ford Coppola comme photographe de plateau pour le tournage de son chef d'oeuvre Apocalypse Now, Chas Gerretsen a rassemblé dans ses archives personelles plusieurs milliers de photos qui, aujourd'hui, rendent justement compte d'un des tournages les plus apocalyptiques de l'histoire du cinéma. Il était alors photographe freelance au Vietnam, et Coppola l'a choisi car il voulait un photographe de guerre pour un film de guerre. Il lui a donné un accès complet au film, les stars (Marlon Brando, Martin Sheen, Dennis Hopper), l'équipe technique, les drames autour du tournage : Chas Gerretsen a donc passé 6 mois aux Philippines, rapportant des milliers de clichés couleur, documentant un monument de l'histoire culturelle américaine.
Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.
Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son « âge d'or de l'animation ». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney : le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).
Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.
Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt et Brian Sibley racontent la fabrication de chaque film.
Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.
Cet important volume présente le travail de recensement qu'a effectué le journaliste et cinéaste Stephan Crasneanscki dans les archives de Jean-Luc Godard au bord du Lac Léman. Les centaines de photographies sont autant de références que le célèbre cinéaste a conservé, et parfois utilisé dans ses films. Le livre sera présenté emballé dans un papier Kraft, à la manière d'archives tout juste retrouvées.
Un an après son arrivée à Hollywood en 1914, Chaplin, né en Grande-Bretagne, est devenu le roi du burlesque aux États-Unis en jouant le vagabond. Au bout de deux ans passés sur les écrans, il a vu sa renommée s'étendre au monde entier -il a été la première star de cinéma internationale- ce qui lui a valu un contrat d'un million de dollars, faisant de lui l'un des hommes les plus riches au monde, avec un contrait à un million de dollars, son propre studio et son groupe de proches collaborateurs. De l'Alaska au Zimbabwe, le chapeau melon, la canne, le pantalon trop grand et les chaussures de clown de son «vagabond» composent la silhouette la plus identifiable au monde.
Grâce à un accès illimité aux archives Chaplin, TASCHEN présente le livre de référence sur l'élaboration de chacun de ses films. Avec 900 images, parmi lesquelles des instantanés tirés des films, des mémos, des story-boards et des photos de plateau, ainsi que des entretiens avec Chaplin et ses plus proches collaborateurs, il dévoile les ficelles du génie de Chaplin, de ses premiers courts-métrages impromptus et spontanés, à ses plus grands films, pour lesquels il multipliait méticuleusement les prises et retravaillait les gags: Le Kid (1921), La Ruée vers l'or (1925), Le Cirque (1928), Les Lumières de la ville (1931), Les Temps Modernes (1936) et Le Dictateur (1940), parodie provocatrice du régime hitlérien.
Depuis 40 ans, les admirateurs de Kubrick et les passionnés de cinéma s'interrogent sur son mystérieux film consacré à Napoléon Bonaparte, jamais réalisé alors qu'il devait entrer en production juste après la sortie de 2001, l'Odyssée de l'espace. Le Napoléon de Kubrick aurait été à la fois une étude de caractère et une grandiose épopée, avec scènes de bataille et figurants par milliers. Pour écrire son scénario original, Kubrick s'est lancé dans 2 années de recherches intensives. Grâce à la collaboration d'une dizaine d'assistants et d'une spécialiste de Napoléon enseignant à Oxford, il a constitué un corpus de matériau de recherche et de pré-production d'une valeur documentaire incomparable, qui inclut notamment environ 15.000 photos de repérage et quelque 17.000 diapositives sur l'iconographie napoléonienne. Kubrick n'a rien laissé au hasard dans sa quête quasi-obsessionnelle d'informations sur la vie et la personne de Napoléon. Hélas, ce film ne sera pas tourné: les grands studios, d'abord la MGM puis United Artists, ont jugé l'aventure trop risquée à une époque où les sagas historiques étaient passées de mode.
En hommage à ce chef-d'oeuvre inachevé, TASCHEN dévoile pour la première fois aux passionnés l'incroyable travail de Kubrick sur Napoléon. Composée à partir de l'édition limitée de 2009, qui rassemblait 10 volumes insérés dans un étui reproduisant la reliure d'un livre d'histoire napoléonien, cette publication réunit tous les éléments en un volume unique. À l'intérieur, tous les livres de l'édition originale sont reproduits en fac-similé: correspondance, études de costumes, photos de repérage, matériel de recherche, versions du scénario, et bien plus encore. La dernière version du scénario établie par Kubrick est reproduite en intégralité.
Les textes présentés incluent le traitement original complet, des essais qui replacent le scénario dans un contexte historique et dramaturgique, un article de Jean Tulard sur Napoléon au cinéma et une retranscription des entretiens entre Kubrick et Felix Markham, professeur à Oxford. Grâce à cet ouvrage unique, aboutissement d'années de recherches et de préparation, le lecteur devient témoin de la démarche créatrice d'un des plus grands talents du cinéma et plonge dans la personnalité fascinante et énigmatique de Napoléon Bonaparte.
Depuis la sortie du Septième Sceau et des Fraises sauvages, Ingmar Bergman fut l'une des figures de proue du cinéma international. En 60 ans de carrière, il a écrit, produit et réalisé 50 films, dont Persona, Scènes de la vie conjugale ou Fanny et Alexandre, qui révèlent comment on se perçoit et comment on se comporte avec ceux que l'on aime.
Avant sa mort, en 2007, Bergman avait accordé aux co-éditeurs TASCHEN et Max Ström un accès illimité à ses archives de la Fondation Bergman, ainsi que l'autorisation de rééditer ses écrits et interviews, dont beaucoup n'avaient jamais été diffusés hors de Suède. L'iconographe Bengt Wanselius, photographe de plateau de Bergman pendant 20 ans, a exploré des archives photographiques dans toute la Suède, découvert des images encore inconnues des films du réalisateur, sélectionné des clichés inédits tirés des archives personnelles de nombreux photographes.
Cette réédition remet en avant Les Archives Ingmar Bergman, ouvrage le plus complet jamais paru sur le cinéaste, aujourd'hui épuisé. Pour ce projet déjà récompensé, Paul Duncan, éditeur chez TASCHEN, a rassemblé toute une équipe de spécialistes de Bergman pour collaborer à l'ouvrage. De leurs recherches est né un récit proposant, pour la première fois, une synthèse de l'oeuvre cinématographique de Bergman. La profondeur des écrits de Bergman est telle que la plus grande partie de l'histoire est racontée avec ses propres mots. Cet ouvrage offre également une introduction écrite par Erland Josephson, grand ami de Bergman, dont il fut aussi l'acteur et le collaborateur.
Le 24 novembre 2008, les archives Ingmar Bergman et les éditeurs Paul Duncan et Bengt Wanselius se sont vu décerner le prix August 2008 du meilleur essai publié en Suède, récompense littéraire la plus prestigieuse en Suède, attribué par un jury de libraires et de bibliothécaires issus de tout le pays.
A comprehensive study of George Clooney's work through the lens of ten of his most iconic roles.
A new title in the fascinating Anatomy of an Actor series from world-renowned cinema magazine Cahiers du cinema.
This book explores the career of George Clooney (b.1961). A TV heartthrob doctor for five years, he made one of the most successful transitions from television to being a critically acclaimed, Oscar-winning film actor starring in both mainstream and art-house films.
An accessible text combines both a narrative and analytical dimension and is illustrated by 300 film stills, set photographs and film sequences The book will appeal to enthusiastic moviegoers as well as serious cinephiles, fans, and those who want to become actors.
Ce numéro anniversaire, 30 ans cette année, rappelle le rôle qu'a joué la revue, fondée par Paulo Antonio Paranaguá, depuis l'origine pour l'ensemble des cinémas du continent.
Un dossier revient sur la mémoire de ces cinémas à travers le traitement des archives, de leur histoire, de leur conservation par les cinémathèques, de leur exploitation et usage contemporains. Ainsi, conserver, établir la chronologie, remployer ces archives, voilà la tâche que soulignent dans ces articles et entretiens, les différentes démarches exercées sur ce matériau sensible, toujours vivant, toujours actuel.
Dans un article très personnel, le témoignage de João Paulo Miranda, réalisateur de Casa de antiguidades primé l'année dernière à Cinélatino, est précieux car il souligne avec émotion le chemin parcouru par ses projets, présents dans les dispositifs mis en place depuis longtemps par les Rencontres, Cinéma en Développement et Cinéma en Construction.
Un long entretien avec Patricio Guzmán, présent au mois de mars 2022 à Toulouse, évoque l'expérience documentaire extraordinaire de ce cinéaste qui termine son dernier film, Mi país imaginario, en cours de montage.
From Drugstore Cowboy to Elephant, Milk and Good Will Hunting, Gus Van Sant?s films have captured the imagination of more than one generation. Alongside his filmaking, however, Van Sant is also an artist, photographer and writer. Based on a series of completely new and exclusive interviews, this book provides a personal insight into how Van Sant successfully approaches these different and very varied artforms, providing an inspirational look into the working life of one of America?s most pivotal cultural and creative practitioners.
Découvrez David Lynch, le livre de Thierry Jousse. David Lynch (États-Unis, 1946) est le réalisateur culte par excellence, dont le mythique Mulholland Drive (2001) a contribué à faire entrer le cinéma dans le vingt et unième siècle. Trois décennies plus tôt, sa carrière débutait avec l'inclassable Eraserhead (1977), bientôt suivi de Blue Velvet (1986), Sailor et Lula (1990), puis Lost Highway (1997). Le cinéma de Lynch invite le public à de nouvelles expériences sensorielles, où la logique narrative se désagrège pour mieux mystifier le spectateur. S'il appartient bel et bien au système des studios hollywoodiens, Lynch n'a jamais cessé d'en explorer les marges, inventant par exemple au début des années 1990 un nouveau genre de série télévisée avec Twin Peaks. Son talent aux multiples facettes s'exprime dans des médias aussi divers que la photographie, la peinture, la musique, et ses oeuvres s'exposent désormais dans les musées et les galeries d'art.
Tim Burton is one of the most popular and innovative creative forces working in Hollywood today. From his first films as a cinema obsessed adolescent to his most recent Hollywood blockbusters like Sweeney Todd and Alice in Wonderland, this new monograph by acclaimed author and film critic Antoine de Baecque, takes readers on a behind the scenes journey through Burton's eccentric career. Featuring interviews with Burton himself that reveal quirky personal anecdotes, exhaustively researched and gorgeously illustrated with film stills, set photographs and a wide selection of Burton's drawings, this vivid account of one of American cinema's greatest stars will delight fans and critics alike.
A comprehensive study of Nicole Kidman's work through the lens of ten of her most iconic roles.
A new title in the popular Anatomy of an Actor series from world-renowned cinema magazine Cahiers du cinéma.
Australian Academy Award-winning actress Nicole Kidman (b.1967) has consistently avoided being typecast by playing an incredibly diverse range of roles from Satine in Baz Luhrmann's Moulin Rouge, to Virginia Woolf in The Hours.
An accessible text combines both a narrative and analytical dimension and is illustrated by 300 film stills, set photographs and film sequences.
Philosopher Hans Ulrich Reck looks at Pasolini through the lens of current instability in Europe.
Best known as the director of Teorema, Mamma Roma and Salo, Pier Paolo Pasolini (1922-75) was one of the most productive and exhilarating talents in 20th-century art. As well as being a filmmaker, Pasolini was also a wide-ranging and virtuosic writer, journalist and public intellectual. He used the spectrum of his life's work to chronicle and honor the outcasts and underclasses of society whose very existence, for Pasolini, constituted a form of resistance to the status quo. Throughout his career, Pasolini refused the seduction of grand narratives and nostalgia, reading the hidden signs of his time through an all-embracing poetics of experimental thinking.
In this volume, philosopher and writer Hans Ulrich Reck looks at Pasolini's provocative and inspiring work from the perspective of a contemporary Europe characterized by homogenization, labyrinthine regulation and hypocrisies protected by codes of political correctness. Pasolini: The Apocalyptic Anarchist finds that the artist has been proved bitterly right about many things.
Bob Mitchum me rappelle l'époque où j'étais enfant, que mes parents ne s'entendaient pas et qu'ils allaient bientôt divorcer. Ma mère venait me chercher à la sortie de l'école à 15 heures précises et roulait jusqu'à un bar à la sortie de l'autoroute non loin de chez nous, en Pennsylvanie. Elle y retrouvait son petit ami. Je m'asseyais au bar et je faisais mes devoirs de mathématiques, d'histoire et de littérature. Il était 16h-16h30 et la plupart des gars au bar regardaient le sport ou les informations à la télévision. Parfois, certains m'aidaient à faire mes devoirs ; nombre d'entre eux me faisaient penser à Robert Mitchum. Ils étaient grands et très athlétiques - avec de grandes mains et une voix grave de buveur de whiskey. Ces après-midis m'ont aidé à définir la façon dont je regarde les hommes que je photographie - comme s'ils appartenaient à cette époque. Et ils m'ont donné une confiance en moi que je n'avais jamais eue. Bruce Weber
À Cannes, Pierre et Gilles, l'un des duos les plus populaires en France depuis plus de trente ans, invente une exposition et une sce´nographie a` partir de tableaux lie´s au cine´ma, passion commune aux artistes et la ville qui accueille chaque anne´e son ce´le`bre festival. Pierre et Gilles pre´sentent un ensemble d'oeuvres mettant en sce`ne actrices et acteurs ayant pose´ pour eux, des compositions et des proce´de´s visuels qui rappellent ceux du 7e art comme des oeuvres re´alise´es spe´cialement pour l'e´ve´nement.
Pour Pierre et Gilles, le cine´ma a le gou^t de l'enfance et de l'horizon. Il permet de s'e´vader d'une vie encore trop petite pour des enfants e´pris de voyages inte´rieurs lointains. Cette passion intime des premie`res lueurs ne les abandonnera jamais et accompagne leur oeuvre depuis. Pierre et Gilles ont invente´ une extraordinaire galerie de personnages, un tourbillon de he´ros, de destins et de regards qui ont partie lie´e avec le grand e´cran.
Le catalogue d'exposition Le Goût du cinéma de Pierre et Gilles au Centre d'art La Malmaison à Cannes du 12 décembre 2019 au 26 avril 2020.
Avec plus de 200 photographies originales et rarissimes, prises entre 1910 et 1939 à la naissance des studios à Paris, Berlin et Hollywood, Tournages nous plonge dans l'atmosphère fascinante et oubliée de l'époque du muet et des premiers pas du parlant, à la rencontre des grands maîtres du cinéma : David W. Griffith, Cecil B. DeMille, Friedrich W. Murnau, Fritz Lang, Erich von Stroheim, Ernst Lubitsch, Abel Gance, René Clair, Jean Renoir... Sur les plateaux de films légendaires tels Intolérance, Napoléon, Metropolis, Ben Hur, L'Aurore ou L'Ange bleu, l'occasion de retrouver les plus grands acteurs que furent Marlene Dietrich, Greta Garbo, Clark Gable, Ingrid Bergman, John Wayne, Cary Grant, Katharine Hepburn, Michel Simon, Maurice Chevalier... l'occasion aussi de redécouvrir à leur origine le métier d'opérateur, les conditions de tournage, les techniques de décors, ou encore les relations entre cinéastes, acteurs et techniciens sur le plateau. Ces vintages uniques proviennent de la collection de la Cinémathèque française et d'une collection privée : le fonds Isabelle Champion.
Vivre, et laisser mourir.
Le récit le plus complet des coulisses de la saga James Bond.
«Bond, James Bond.» Depuis que Sean Connery a prononcé cette formule culte en 1962, le plus fringant des agents secrets de l'histoire du cinéma a séduit et fait vibrer le public dans le monde entier. Le personnage irréprochablement british créé par l'auteur Ian Fleming a été le héros de 25 films produits par EON, incarné par 6 acteurs différents sur plus d'un demi-siècle.
Les producteurs d'EON ont ouvert à Paul Duncan leurs archives de photos, de dessins, de storyboards et d'autres éléments liés aux tournages. Il s'est plongé pendant deux ans dans plus d'un million d'images, écumant une centaine d'archives. Le résultat: une immersion totale dans les coulisses de la série, couvrant chaque film de James Bond réalisé, depuis Dr No (1962) jusqu'à Mourir peut attendre (2020), sans oublier le parodique Casino Royale (1967) et Jamais plus jamais (1983).
La profusion de photographies inédites, de croquis de décor, de story-boards et de documents de production est accompagnée par des témoignages recueillis par plus de 150 acteurs et membres des équipes de tournage. Des producteurs aux cascadeurs, des réalisateurs aux chefs décorateurs, ces anecdotes personnelles racontent la vraie histoire de la série James Bond, offrant une plongée remarquable dans les coulisses de la plus célèbre et la plus longue franchise de l'histoire du cinéma. Cet ouvrage représente un fabuleux hommage à la légende James Bond.
Cette édition mise à jour comprend des photographies exclusives et de nouvelles interviews de Daniel Craig, du réalisateur Cary Fukunaga, des producteurs Michael G.
Wilson et Barbara Broccoli, et bien d'autres, révélant toute la vérité derrière la création du très émouvant Mourir peut attendre.
Grâce à un accès illimité aux archives de la série, cet ouvrage au format XXL retrace l'histoire de James Bond en textes et en images.
Les 1.100 illustrations comprennent de très nombreuses images inédites:
Photographies de plateau et de travail, notes de service, documents, story-boards, affiches, dessins et projets, croquis non utilisés.
Les histoires des tournages, racontées par ceux qui les ont vécus: producteurs, réalisateurs, acteurs, scénaristes, chefs décorateurs, techniciens en effets spéciaux, cascadeurs et bien d'autres membres des différentes équipes.
Tous les James Bond, de James Bond contre Dr No (1962) à Mourir peut attendre (2020), sont passés au crible.
