Trois légendes.
Monroe, par Mailer et Stern.
«Ce livre est en réalité deux livres. C'est à la fois une biographie et une rétrospective iconographique d'une actrice qui aura sans doute vécu sa plus grande histoire d'amour avec l'objectif des appareils photos», commentait Norman Mailer en 1973 dans sa biographie, Marilyn.
TASCHEN a réuni le texte originel de Mailer et les photographies prises par Bert Stern lors de la légendaire «Dernière Séance» - qui a donné, de l'avis général, les photos les plus intimes jamais prises de Marilyn - pour créer un hommage à l'image d'une femme, qui, au moment de sa mort en 1962, évoquait dans le monde entier et pour toute une génération le symbole absolu du glamour et de l'érotisme. Mais si son public l'adorait et l'acclamait, sa vie privée restait celle d'une petite fille perdue, recherchant éperdument amour et sécurité. La Marilyn de Mailer est à la fois magnifique, tragique et complexe. Alors qu'il retrace la vie de l'actrice - de son enfance déprimante jusqu'aux circonstances mystérieuses de son décès - elle apparaît progressivement comme le symbole de l'étrange décennie pendant laquelle elle a régné sans partage sur Hollywood.
Ce livre, conçu par Lawrence Schiller, collaborateur de Mailer sur 5 de ses livres, associe l'imposant texte de l'auteur aux photos pénétrantes de Stern, qui saisissent Marilyn à 36 ans. Photographiée pour le magazine Vogue pendant trois jours à l'hôtel Bel-Air, Marilyn ne s'était encore jamais livrée de manière si intime, jamais révélée aussi incroyablement belle. Six semaines plus tard, et dans d'étranges circonstances, elle mourait. À travers cette synthèse audacieuse d'un classique de la littérature et d'une séance photo légendaire, Mailer et Stern lèvent le voile de confusion qui entoure Marilyn - femme, vedette, sex-symbol - donnant à voir au plus près une icône dont la personnalité demeure, aujourd'hui encore, aussi énigmatique qu'évanescente.
« Un biotope n'a rien de sympa, n'a rien de cool. On dévore et on y est dévoré, on y meurt pour que d'autres vivent, la justice ou l'équité sont loin d'y avoir toujours leur place. Cannes est un univers ultra-hiérarchisé, une forme extrême de la société de cour chère à Norbert Elias, qu'il s'agisse des festivaliers, dans et hors du Palais, ou des films. Mais ce système permet que perdure une multiplicité d'êtres qui ne s'aiment pas forcément, qui appartiennent à des espèces différentes, et qui ont besoin les uns des autres de manière plus ou moins amicale. L'essentiel est que l'équilibre général et ses effets sur les « individus », c'est à dire sur les films, sur ceux qui les font, ceux qui les montrent, ceux qui en parlent, ceux qui iront les voir, continuent de bénéficier globalement de tout ce circuit, ou même, comme on dit parfois, de tout ce cirque. Et c'est effectivement le cas, jusqu'à aujourd'hui et il faut le souhaiter pour longtemps encore, du Festival de Cannes.» - Jean-Michel Frodon
Le grand magicien.
Un merveilleux voyage à travers les dessins animés de Walt Disney Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.
Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1.500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son «âge d'or de l'animation». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney: le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).
Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.
Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt, Brian Sibley et Didier Ghez racontent la fabrication de chaque film.
Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.
On lui attribue, dans les années 1920, les premiers films impressionnistes, féministes, puis surréalistes. Qu'est-ce que le cinéma ? constitue la première édition des écrits théoriques de Germaine Dulac (1882-1942), pionnière du septième art, près de 75 années après la conception du manuscrit, où elle développe une réflexion sur le cinéma aux échos fortement contemporains.
Composé des nombreuses conférences de la cinéaste (1925-1939) assemblées par sa partenaire Marie-Anne Colson-Malleville et préservées dans les archives de Light Cone, cet ouvrage éclaire le rôle majeur de cette pionnière de l'avant-garde française, innovatrice de la pensée cinématographique moderne, qui théorisait déjà, dès les années 1920, ce qu'est le cinéma.
« L'oeuvre et la pensée de Germaine Dulac ont beaucoup compté dans l'histoire du cinéma. Ce livre permet de mieux la connaître et de l'apprécier. C'est très important pour faire vivre la cinéphilie, qui est d'ailleurs l'une des missions du CNC. » Dominique Boutonnat, Président du Centre national du cinéma et de l'image animée (CNC) Ouvrage récompensé du Prix du livre de cinéma 2020 du CNC.
Dans Les fantômes dont on ne se débarrasse pas, Frieda Grafe analyse le film de Joseph L. Mankiewicz, The Ghost and Mrs. Muir, réalisé en 1947. Il s'agit d'une comédie ironique sous forme de film gothique. Une jeune veuve emménage dans une maison hantée par le fantôme de l'ancien propriétaire, le Captain Gregg, qui se serait suicidé, et dont le portrait est accroché dans une des pièces. À sa suggestion, Mrs. Muir va coucher sur papier le récit de la vie du capitaine qu'il lui dicte dans un langage truculent. Dans le texte de Grafe, il n'y a pas de fantôme, mais un double masculin imaginé par Mrs. Muir, qui lui/nous apparaît sous la forme du très viril Captain Gregg. « Un «rôle de pantalon mental», écrit Frieda Grafe, que Mrs. Muir s'est créé par l'incorporation voluptueuse de la figure masculine, ce qui lui confère cette part de liberté qui la distingue de ses contemporaines », écrit Katharina Sykora. Quand une femme écrit un livre...
Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.
Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son « âge d'or de l'animation ». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney : le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).
Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.
Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt et Brian Sibley racontent la fabrication de chaque film.
Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.
For nearly four decades, Spike Lee has made movies that demand our attention. His extensive filmography reflects an unflinching critique of race relations in the United States, from the Student Academy Award®-winning short Joe?s Bed-Stuy Barbershop: We Cut Heads and the ever-relevant Do the Right Thing to the more recent Oscar®-winning BlacKkKlansman and Da 5 Bloods. A lifelong cinephile and film scholar, Lee draws inspiration from other artists working across a range of eras, genres and global cinemas. He has also devoted much of his career to teaching the next generation of filmmakers.Spike Lee: Director's Inspiration presents Lee's personal collection of original film posters and objects, photographs, artworks and more-many of these inscribed to Lee personally by filmmakers, stars, athletes, activists, musicians and others who have inspired his work in specific ways.Straight from the walls of Lee's 40 Acres and a Mule production studio in Brooklyn, his faculty office at NYU and his Martha's Vineyard home, these objects offer a glimpse into what shapes Lee's signature filmmaking approach. Spike Lee: Director's Inspiration also includes a conversation between Lee and Shaka King (Judas and the Black Messiah), Lee?s list of 95 essential films and brief texts by some of the many artists Lee himself has inspired.Spike Lee (born 1957) is a director, writer, actor, producer, author and artistic director of the graduate film program at NYU's Tisch School of the Arts, where he has taught since 1993.
Depuis la sortie du Septième Sceau et des Fraises sauvages, Ingmar Bergman fut l'une des figures de proue du cinéma international. En 60 ans de carrière, il a écrit, produit et réalisé 50 films, dont Persona, Scènes de la vie conjugale ou Fanny et Alexandre, qui révèlent comment on se perçoit et comment on se comporte avec ceux que l'on aime.
Avant sa mort, en 2007, Bergman avait accordé aux co-éditeurs TASCHEN et Max Ström un accès illimité à ses archives de la Fondation Bergman, ainsi que l'autorisation de rééditer ses écrits et interviews, dont beaucoup n'avaient jamais été diffusés hors de Suède. L'iconographe Bengt Wanselius, photographe de plateau de Bergman pendant 20 ans, a exploré des archives photographiques dans toute la Suède, découvert des images encore inconnues des films du réalisateur, sélectionné des clichés inédits tirés des archives personnelles de nombreux photographes.
Cette réédition remet en avant Les Archives Ingmar Bergman, ouvrage le plus complet jamais paru sur le cinéaste, aujourd'hui épuisé. Pour ce projet déjà récompensé, Paul Duncan, éditeur chez TASCHEN, a rassemblé toute une équipe de spécialistes de Bergman pour collaborer à l'ouvrage. De leurs recherches est né un récit proposant, pour la première fois, une synthèse de l'oeuvre cinématographique de Bergman. La profondeur des écrits de Bergman est telle que la plus grande partie de l'histoire est racontée avec ses propres mots. Cet ouvrage offre également une introduction écrite par Erland Josephson, grand ami de Bergman, dont il fut aussi l'acteur et le collaborateur.
Le 24 novembre 2008, les archives Ingmar Bergman et les éditeurs Paul Duncan et Bengt Wanselius se sont vu décerner le prix August 2008 du meilleur essai publié en Suède, récompense littéraire la plus prestigieuse en Suède, attribué par un jury de libraires et de bibliothécaires issus de tout le pays.
Cet important volume présente le travail de recensement qu'a effectué le journaliste et cinéaste Stephan Crasneanscki dans les archives de Jean-Luc Godard au bord du Lac Léman. Les centaines de photographies sont autant de références que le célèbre cinéaste a conservé, et parfois utilisé dans ses films. Le livre sera présenté emballé dans un papier Kraft, à la manière d'archives tout juste retrouvées.
Engagé en 1976 par Francis Ford Coppola comme photographe de plateau pour le tournage de son chef d'oeuvre Apocalypse Now, Chas Gerretsen a rassemblé dans ses archives personelles plusieurs milliers de photos qui, aujourd'hui, rendent justement compte d'un des tournages les plus apocalyptiques de l'histoire du cinéma. Il était alors photographe freelance au Vietnam, et Coppola l'a choisi car il voulait un photographe de guerre pour un film de guerre. Il lui a donné un accès complet au film, les stars (Marlon Brando, Martin Sheen, Dennis Hopper), l'équipe technique, les drames autour du tournage : Chas Gerretsen a donc passé 6 mois aux Philippines, rapportant des milliers de clichés couleur, documentant un monument de l'histoire culturelle américaine.
A comprehensive study of George Clooney's work through the lens of ten of his most iconic roles.
A new title in the fascinating Anatomy of an Actor series from world-renowned cinema magazine Cahiers du cinema.
This book explores the career of George Clooney (b.1961). A TV heartthrob doctor for five years, he made one of the most successful transitions from television to being a critically acclaimed, Oscar-winning film actor starring in both mainstream and art-house films.
An accessible text combines both a narrative and analytical dimension and is illustrated by 300 film stills, set photographs and film sequences The book will appeal to enthusiastic moviegoers as well as serious cinephiles, fans, and those who want to become actors.
Tim Burton is one of the most popular and innovative creative forces working in Hollywood today. From his first films as a cinema obsessed adolescent to his most recent Hollywood blockbusters like Sweeney Todd and Alice in Wonderland, this new monograph by acclaimed author and film critic Antoine de Baecque, takes readers on a behind the scenes journey through Burton's eccentric career. Featuring interviews with Burton himself that reveal quirky personal anecdotes, exhaustively researched and gorgeously illustrated with film stills, set photographs and a wide selection of Burton's drawings, this vivid account of one of American cinema's greatest stars will delight fans and critics alike.
He never won any Oscar and didn't always have the audience's favors. His filmography is short and unbalanced. But his films became cult and many movie fans and contemporary directors like Tarantino or Scorsese, claim his influence. This books provides a unique perspective on his entire works.
Track list : - The traitor and the hero, by F. Ganzo - In conversation with Sam Peckinpah.
- 1961-1965, Early lateness. Sam Peckinpah before The Wild Bunch, by C. Fujiwara.
- Interview with Gordon T. Dawson, by M. Dubreuil.
- 1969-1973, Spurs. The styles of Sam Peckinpah, by E. Burdeau.
- The dance of Pat Garrett, by Carlo Chatrian.
- Sam Peckinpah by Sam Fuller.
- 1974-1983, when legends die, by C. Huber.
- Interview with Kris Kristofferson, by F. Ganzo.
- Wild West, Domestic gaze. Sam Peckinpah and television, by J-F. Rauger.
+ film shoot stories.
Un an après son arrivée à Hollywood en 1914, Chaplin, né en Grande-Bretagne, est devenu le roi du burlesque aux États-Unis en jouant le vagabond. Au bout de deux ans passés sur les écrans, il a vu sa renommée s'étendre au monde entier -il a été la première star de cinéma internationale- ce qui lui a valu un contrat d'un million de dollars, faisant de lui l'un des hommes les plus riches au monde, avec un contrait à un million de dollars, son propre studio et son groupe de proches collaborateurs. De l'Alaska au Zimbabwe, le chapeau melon, la canne, le pantalon trop grand et les chaussures de clown de son «vagabond» composent la silhouette la plus identifiable au monde.
Grâce à un accès illimité aux archives Chaplin, TASCHEN présente le livre de référence sur l'élaboration de chacun de ses films. Avec 900 images, parmi lesquelles des instantanés tirés des films, des mémos, des story-boards et des photos de plateau, ainsi que des entretiens avec Chaplin et ses plus proches collaborateurs, il dévoile les ficelles du génie de Chaplin, de ses premiers courts-métrages impromptus et spontanés, à ses plus grands films, pour lesquels il multipliait méticuleusement les prises et retravaillait les gags: Le Kid (1921), La Ruée vers l'or (1925), Le Cirque (1928), Les Lumières de la ville (1931), Les Temps Modernes (1936) et Le Dictateur (1940), parodie provocatrice du régime hitlérien.
Philosopher Hans Ulrich Reck looks at Pasolini through the lens of current instability in Europe.
Best known as the director of Teorema, Mamma Roma and Salo, Pier Paolo Pasolini (1922-75) was one of the most productive and exhilarating talents in 20th-century art. As well as being a filmmaker, Pasolini was also a wide-ranging and virtuosic writer, journalist and public intellectual. He used the spectrum of his life's work to chronicle and honor the outcasts and underclasses of society whose very existence, for Pasolini, constituted a form of resistance to the status quo. Throughout his career, Pasolini refused the seduction of grand narratives and nostalgia, reading the hidden signs of his time through an all-embracing poetics of experimental thinking.
In this volume, philosopher and writer Hans Ulrich Reck looks at Pasolini's provocative and inspiring work from the perspective of a contemporary Europe characterized by homogenization, labyrinthine regulation and hypocrisies protected by codes of political correctness. Pasolini: The Apocalyptic Anarchist finds that the artist has been proved bitterly right about many things.
The overlooked yet vibrant history of Black participation in American film, from the beginning of cinema through the civil rights movement.
From the dawn of the medium onward, Black filmmakers have helped define American cinema. Black performers, producers and directors--Bert Williams, Oscar Micheaux, Herb Jeffries, Lena Horne, Dorothy Dandridge, Ruby Dee and William Greaves, to name just a few--had a vast and resounding impact. Black film artists not only developed an enduring independent tradition but also transformed mainstream Hollywood, fueled and reflected sociopolitical movements, captured Black experience in all its robust complexity, and influenced generations to come. As harrowing as it is beautiful, this history of Black cinema and its legacy is often overlooked.
Regeneration accompanies a first-of-its-kind exhibition at the Academy Museum of Motion Pictures exploring seven decades of Black participation in American cinema. Amplifying this underrepresented history in colorful and striking detail, the book features an in-depth curatorial essay and scholarly case-study texts on topics such as early Black independent filmmaking, Black spectatorship during the Jim Crow era and home movies as an essential form of Black self-representation. The volume also makes meaningful connections to the present through interviews with award-winning contemporary Black filmmakers Charles Burnett, Julie Dash, Ava DuVernay, Barry Jenkins and Dawn Porter. An extensive filmography and chronology offer an essential resource for anyone interested in Black cinema, while images of contemporary visual artworks further illustrate the volume throughout.
Ce catalogue de l'exposition à la Cinémathèque française à partir du 5 mars 2012, après le Moma à New York en 2009, permet de découvrir les talents de dessinateur, peintre, vidéaste, photographe, inventeur de sculptures bigarrées et stupéfiantes du réalisateur culte Tim Burton.
Avec plus de 200 photographies originales et rarissimes, prises entre 1910 et 1939 à la naissance des studios à Paris, Berlin et Hollywood, Tournages nous plonge dans l'atmosphère fascinante et oubliée de l'époque du muet et des premiers pas du parlant, à la rencontre des grands maîtres du cinéma : David W. Griffith, Cecil B. DeMille, Friedrich W. Murnau, Fritz Lang, Erich von Stroheim, Ernst Lubitsch, Abel Gance, René Clair, Jean Renoir... Sur les plateaux de films légendaires tels Intolérance, Napoléon, Metropolis, Ben Hur, L'Aurore ou L'Ange bleu, l'occasion de retrouver les plus grands acteurs que furent Marlene Dietrich, Greta Garbo, Clark Gable, Ingrid Bergman, John Wayne, Cary Grant, Katharine Hepburn, Michel Simon, Maurice Chevalier... l'occasion aussi de redécouvrir à leur origine le métier d'opérateur, les conditions de tournage, les techniques de décors, ou encore les relations entre cinéastes, acteurs et techniciens sur le plateau. Ces vintages uniques proviennent de la collection de la Cinémathèque française et d'une collection privée : le fonds Isabelle Champion.
Depuis 40 ans, les admirateurs de Kubrick et les passionnés de cinéma s'interrogent sur son mystérieux film consacré à Napoléon Bonaparte, jamais réalisé alors qu'il devait entrer en production juste après la sortie de 2001, l'Odyssée de l'espace. Le Napoléon de Kubrick aurait été à la fois une étude de caractère et une grandiose épopée, avec scènes de bataille et figurants par milliers. Pour écrire son scénario original, Kubrick s'est lancé dans 2 années de recherches intensives. Grâce à la collaboration d'une dizaine d'assistants et d'une spécialiste de Napoléon enseignant à Oxford, il a constitué un corpus de matériau de recherche et de pré-production d'une valeur documentaire incomparable, qui inclut notamment environ 15.000 photos de repérage et quelque 17.000 diapositives sur l'iconographie napoléonienne. Kubrick n'a rien laissé au hasard dans sa quête quasi-obsessionnelle d'informations sur la vie et la personne de Napoléon. Hélas, ce film ne sera pas tourné: les grands studios, d'abord la MGM puis United Artists, ont jugé l'aventure trop risquée à une époque où les sagas historiques étaient passées de mode.
En hommage à ce chef-d'oeuvre inachevé, TASCHEN dévoile pour la première fois aux passionnés l'incroyable travail de Kubrick sur Napoléon. Composée à partir de l'édition limitée de 2009, qui rassemblait 10 volumes insérés dans un étui reproduisant la reliure d'un livre d'histoire napoléonien, cette publication réunit tous les éléments en un volume unique. À l'intérieur, tous les livres de l'édition originale sont reproduits en fac-similé: correspondance, études de costumes, photos de repérage, matériel de recherche, versions du scénario, et bien plus encore. La dernière version du scénario établie par Kubrick est reproduite en intégralité.
Les textes présentés incluent le traitement original complet, des essais qui replacent le scénario dans un contexte historique et dramaturgique, un article de Jean Tulard sur Napoléon au cinéma et une retranscription des entretiens entre Kubrick et Felix Markham, professeur à Oxford. Grâce à cet ouvrage unique, aboutissement d'années de recherches et de préparation, le lecteur devient témoin de la démarche créatrice d'un des plus grands talents du cinéma et plonge dans la personnalité fascinante et énigmatique de Napoléon Bonaparte.
