Le vingtième numéro du magazine surréaliste et provocateur conçu par Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari présente vingt-neuf nouveaux tableaux vivants oniriques (ou cauchemardesques), une collection de photographies scabreuses, drôles, absurdes et déviantes qui interroge notre obsession contemporaine pour les images.
It was in 1978, during my first summer of making portraits while using an 8x10 inch large format camera, that I found myself drawn to photographing redheads.
I have often been asked; 'why redheads,' and I've often felt it was because in summer redheads seem to bloom in the sun more gloriously than the rest of us. But it also might have been my living far out on the tip of Cape Cod, surrounded by all the blue light of sea and sky, which made me pay more attention to the flamboyant qualities of redheads. Their hair and the exotic markings of their skin in sunlight became even rosier and more astonishing in that blue atmosphere.
Redheads, like film itself, are transformed by sunlight. It seems natural to me now that I would have paid attention to this new phenomenon as it appeared within the larger subject of the Cape itself. After making more than 50 portraits that first month, in which at least 30 were of redheads, I understood that this was an impulse to be taken seriously.
I ran an ad in the local paper, the Provincetown Advocate: "REMARKABLE PEOPLE! If you are a redhead or know someone who is, I'd like to make your portrait, call...." They began coming to my deck, bringing with them their courage and their shyness, their curiosity and their dreams, and they shared their stories of what it was like to be a redhead. They spoke of the painful remembrances of childhood, the violations of privacy and name calling-"Hey, red," "freckle face," "carrot head." They also shared with me their sense of personal victory at having overcome this early, unwanted celebrity, and how like giants or dwarfs or athletes they had finally grown into their specialness and by surviving had been ennobled by it. You could say that they had been baptized by their own fire, and that their shared experience had formed a "blood knot" among them. I had begun making portraits with the intention of photographing ordinary people. But redheads are both ordinary and special.
Their slender slice of the genetic pie accounts for only 2 or 3 percent of the world's population. As different as redheads are in terms of nationality and religion, they often give the appearance of a strong familial connection.
My way of making portraits is not by getting down on my hands and knees, nor climbing high on a ladder, nor getting into bed with a celebrity, but simply standing eye to eye with anyone has found their way to me, young or old. I need only one or two sheets of film and the patience to see it through.
This new edition of 'Redheads' will have a number of new and previously unseen portraits.
Cet ouvrage présente les travaux de Valérie Belin réalisés entre 2007 et 2013, notamment les séries Corbeilles de Fruits, Lido, Ballroom Dancers, Vintage Cars, Têtes Couronnées, Black-Eyed Susan I et II, Décors, Mariées, Bob, Intérieurs ainsi que Still Life ou All Star. On y trouve également des vues d'exposition et des images de sa performance Comment devient-on Michael Jackson ? présentée au Centre Pompidou en 2004.
Le dix-neuvième numéro du magazine surréaliste et provocateur conçu par Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari présente vingt-neuf nouveaux tableaux vivants oniriques (ou cauchemardesques), une collection de photographies scabreuses, drôles, absurdes et déviantes qui interroge notre obsession contemporaine pour les images.
Into the Wild book is an important book for Spring 2022 as it depicts people choosing an alternative lifestyle of living for surf rather than living to work due to social economic pressures. To them surf is a way of life and they love to drive their cars to where the best waves are, sleep overnight and wake up to surf the best waves. Sometimes they even surf at night during the full moon periods. This is a definite change of mentality of the younger generation right now - the youth who choose to live in the moment and enjoy an alternative lifestyle.
This is a book about surfing and speaking to surfers. The journalist who is interviewing the surfers is a surfer himself and works for Stab Magazine - a well respected surf magazine based in LA that has a big online presence. They also plan big surf events and competitions so its very good for promotion to have their support.
Joel Meyerowitz is one of the pioneers of color photography, as well as an essential reference figure for street photography, large-format photography, and portraits. The Pleasure of Seeing is his first biography, the book offers a look behind the scenes of the life and career of one of America's photographic living legends. In conversation with historian and photographer Lorenzo Braca, Meyerowitz speaks vividly about his beginnings, studying art history, meeting Robert Frank, photographing on the streets of New York City with Tony Ray-Jones and Garry Winogrand, traveling extensively across America and Europe, learning from John Szarkowski, director of photography at MoMA, working on numerous exhibitions and publications, photographing at Ground Zero in 2001 and 2002, and about the most recent still lifes and self-portraits projects. The book contains over one hundred pictures, including Joel's most iconic photographs as well as new and previously unpublished material. This comprehensive visual biography testifies to the author's continuing evolution throughout the six decades of his career and discusses his work in relation to his personal life, to the history of photography, and to the incessant transformation of the medium. Meyerowitz reveals anecdotes, personal memories, and the story behind many of his famous photographs.
Les grandes heures du haut lieu de la scène culturelle underground et alternative du New York des années 1980 : un retour sur l'histoire du Pyramid Cocktail Lounge, plaque tournante des scènes drag, gay, féministe, punk et artistiques en plein essor de l'East Village.
Le Pyramid Cocktail Lounge était pour la scène alternative du centre de New York des années 1980 ce que le Studio 54 était pour le disco. Situé au 101 Avenue A, le Pyramid proposait un mélange de cultures : du théâtre révolutionnaire et irrévérencieux à la musique expérimentale, en passant par l'« anti-drag » qui remettait en question les normes de la binarité des sexes. Tout a commencé en 1981, lorsque l'East Village était considéré comme un no man's land dangereux, que les loyers étaient bon marché, que le sida était encore inconnu et qu'une nouvelle génération de créateurs brisait le moule et continuait à faire de l'art dans une atmosphère de fête débridée. Les soirées à thème et les danseurs de bar, les membres de l'avant-garde du centre-ville et les jeunes fuyant leur passé ont contribué à la popularité du club. Au Pyramid, John Jesurun et Ann Magnuson côtoient They Might Be Giants, les Red Hot Chili Peppers et 3 Teens Kill 4, qui partagaient la scène avec Lady Bunny et Hapi Phace. En offrant un toit à des communautés obscures et défiant les genres, la Pyramide a joué un rôle crucial dans le façonnement de la scène culturelle underground de la ville pour les décennies à venir. En 2021, la Pyramide a fermé définitivement ses portes. Bien que l'espace n'était plus le haut lieu de ses premières années, sa fermeture a ravivé les mémoires et suscité un sentiment de deuil pour une époque révolue, au milieu d'un large regain d'intérêt pour l'art et la culture du New York des années 1980.
This Is My Life I'm Talking About est l'histoire d'une amitié avec le grand héros américain John Lewis. Danny Lyon la raconte en images avec une grande sensibilité et beaucoup d'humour, à travers une sélection de photos dont la plupart sont inédites. Son histoire commence en Russie sous le tsar, lorsqu'en 1905 l'oncle de Lyon, Abram, est impliqué dans le meurtre d'un policier lors d'un pogrom et s'enfuit à Brooklyn, où, pendant la Seconde Guerre mondiale, Lyon est né.
Le dix-huitième numéro du magazine surréaliste et provocateur conçu par Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari présente 22 nouveaux tableaux vivants oniriques (ou cauchemardesques), une collection de photographies scabreuses, drôles, absurdes et déviantes qui interroge notre obsession contemporaine pour les images.
In the 1970s, despite not yet knowing each other, Azzedine Alaia and Arthur Elgort were about to go down the same path. The former realized that fashion had changed: it was now no longer so much in the salons that fashion had to be appreciated but in the street. The latter, Arthur Elgort, then a young photographer for the English edition of Vogue, was in the process of establishing a new vision of photography. His snapshots would soon define a lighter, more informal photographic style of great spontaneity. At the same time as the fashion designer was seeing his feminine ideal embodied in the street and worn by an ever-increasing number of clients, the photographer was leaving the studio, opening the windows, and taking over movement and cities as a natural and new setting. Both actively contributed to renewing the representation of the now assertive, determined and independent woman.
This long collaboration is now the subject of an upcoming exhibition in Paris at the Fondation Azzedine Alaia running from January 22 to June 29 2023 and the accompanying monograph, entitled Freedom, which presents more than 150 timeless classic black-and-white pictures.
Inge Bondi partage des souvenirs intimes d'un homme brillant et très privé, ainsi que des reproductions de ses lettres, poèmes, photographies et documents, révélant pour la première fois des détails sur ses années de guerre éprouvantes et sur sa vie personnelle complexe. Les 13 chapitres du livre couvrent le livre Homecoming Prisoners of War (1947) de Haas, qui a incité Robert Capa à l'inviter à rejoindre Magnum Photos ; les reportages couleur pionniers pour Life et Vogue, avec ses portraits flous de la tauromachie et ses images saturées de New York ; et son travail sur les plateaux de tournage, notamment The Bible, qui a conduit à la publication du célèbre livre de photos de Haas, The Creation, en 1971. Inge Bondi replace un ensemble d'images emblématiques dans leur contexte historique.
In Dreams relie les rôles de Dennis Hopper en tant qu'acteur, mari, père et photographe. Le rédacteur et designer Michael Schmelling a sélectionné plus de 100 photographies des archives de Hopper (pour la plupart inédites) pour ce livre intime. Ensemble, elles révèlent l'énergie et la curiosité de Hopper, ainsi que sa place unique dans la culture des années 1960 en Amérique. In Dreams distille ses archives en un ensemble de photographies connectées qui offrent de nouvelles impressions et récits.
Ce livre opulent compile les images issues de l'échange photographique entre, d'une part, Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari et, d'autre part, le photographe britannique Martin Parr. Les fondateurs de Toilet Paper ont demandé à leur prestigieux invité de concevoir un dialogue entre leurs images et ses propres photographies. Le résultat se présente sous la forme d'un jeu de correspondances à la fois ironique, subversif et troublant, qui fait de cette publication un objet captivant au pouvoir fortement addictif.
Tar Beach. On the Rooftops of Little Italy brings together photographs and memories of life in and around the rooftops of Little Italy, New York. These are pictures that were made, kept and gathered by various families who handed them down from 1940 to the early 1970's. Reflections from the community offer perspectives of multiple generations, as Angel Marinaccio says: "If you had an accomplishment- communion, confirmation, wedding, graduation or birthday, you'd dress up in your best outfit and go to the rooftop to take pictures and celebrate with your family." We see the images they shared and saved.
The introduction to Tar Beach is written by renown filmmaker Martin Scorsese who grew up on the streets portrayed in this collection. He writes: "The roof was our escape hatch and it was our sanctuary. The endless crowds, the filth and the grime, the constant noise, the chaos, the claustrophobia, the non-stop motion of everything... you would walk up that flight of stairs, open the door, and you were above it all. You could breathe. You could dream. You could be." Photographer Susan Meiselas, along with two of her neighbours, Angel Marinaccio and Virginia Dell'Orio, collected and curated these vernacular photographs to convey the feeling of this special place and time in the daily lives of Italian immigrants as they made their way to becoming part of American culture. The book is designed by Yolanda Cuomo.
Le photographe Mel D. Cole a commencé à arpenter les rues de New York aux débuts de la pandémie de Covid 19, mais après la mort de George Floyd, son intérêt photographique s'est finalement porté sur les manifestations du mouvement Black Lives Matter. Inspiré par la tradition documentaire des années 1960, il a photographié ce qu'il voyait pour participer à constituer ce qu'il considère comme une "mémoire collective".
In April 2020, during the early days of the COVID pandemic lockdowns, photographer Mel D. Cole started driving around New York City documenting the streets. This almost therapeutic exercise became a call to action upon the murder of George Floyd, and Cole dedicated the rest of 2020 to photographing the Black Lives Matter protests that swept the country. In addition to canvassing the action in New York City, Cole traveled to cover protests in Washington, DC, and Richmond, Virginia. The body of work he has produced from that electrifying summer is a powerful outpouring of the hurt, outrage, and courage of people compelled to take action following the brutal death of George Floyd. Inspired by the black-and-white documentary tradition of the 1960s, Cole seeks to create what he calls "a collective memory" that continues the legacy of the civil rights movement. That historical through-line is a bitter reminder of the oppression and resistance that continues today. Cole has said, "Shooting the Black Lives Matter movement is the most important work of my entire life. It meant the world to me to document and do this service. This is what I have, this is what I can bring to the table, and it's my eye, my platform to tell the stories."
La photographe Mayan Toledano partage les histoires de sa communauté queer avec empathie et respect. Bien qu'elle soit basée à New York, elle est de plus en plus attirée par la ville de Mexico, qu'elle considère comme un havre de paix créatif. No Mames rend hommage aux artistes, designers et créateurs LGBTQ locaux qui contribuent actuellement à la culture mexicaine, et dont beaucoup sont des couples, des colocataires ou des amis d'enfance. Les portraits de la série suivent un double processus : tout d'abord, Toledano capture ses sujets tels qu'ils se présentent dans la vie de tous les jours ; ensuite, elle les photographie tels qu'ils aimeraient apparaître, accompagnant ainsi la construction de leur moi imaginaire. Cet acte collaboratif de réalisation des souhaits coïncide parfois avec des transformations de la vie réelle, comme lorsque Toledano suit l'un de ses sujets, Havi, tout au long de sa transition de genre, au cours de laquelle elle a subi une opération d'augmentation mammaire.
Natif de New York et aujourd'hui basé à Paris, le photographe Richard Kalvar a passé plus de 50 ans à observer l'humanité à travers l'objectif de son appareil photo. Avec Selected Writings, il déplace son regard des visages vers les différents mode d'expression écrite des gens : graffitis, panneaux, t-shirts, bannières, pierres tombales et autres inscriptions publiques. Ce corpus en noir et blanc, qui mêle ironie et tendresse, traverse toute sa carrière, de la fin des années 1960 à aujourd'hui, et couvre différents lieux du monde occidental, en particulier à Paris, New York et Londres. De l'étrange au surprenant en passant par le franchement drôle, il donne un aperçu résolument subjectif de l'usage public de l'écrit.
Les formes classiques et conceptuelles créent un ensemble cohérent à partir d'éléments apparemment disparates et construisent une vision inclusive et complète, dans laquelle le familier et l'inhabituel coexistent à part égale. Le travail de Michael Stipe inclut le plâtre, le béton, les plastiques rotomoulés, la céramique, la fabrication de livres et l'impression photographique en chambre noire. Le processus et la documentation du processus deviennent une partie de l'ensemble, lequel donne lieu à une exposition personnelle à la Fondation Ica Milano, de décembre 2023 à mars 2024.
L'essence de cette pupblication est profondément enracinée dans le pays natal de Sebastian Sabal-Bruce, le Chili. Avant de s'installer à New York et de se consacrer à la photographie de mode, Sebastian Sabal-Bruce est passé d'un continent à l'autre et a poursuivi des études en beaux-arts, en théâtre et en psychologie. Son bagage culturel pluridisciplinaire est au coeur de son approche artistique, la dimension psychologique étant déterminante dans ses recherches. Très tôt, il s'est rendu compte que l'image des femmes véhiculée par l'industrie de la mode ne correspondait pas à sa propre esthétique. Mais plutôt que de refuser des projets, il leur a insufflé sa propre vision, révélant une profondeur et racontant une histoire avec chaque sujet.
After the Moon a évolué progressivement, se présentant à la fois comme une réponse et une déclaration sur l'industrie de la mode. Sebastian Sabal-Bruce a commencé à collecter des moments authentiques capturés dans ces mises en scène. Des visages, des expressions et des paysages qui semblaient initialement détachés de leur contexte d'origine ont trouvé une signification profonde dans l'imagerie d'After the Moon. Il en résulte des photographies représentant des femmes qui semblent énigmatiques et perpétuellement en voyage. Les bâtiments et les paysages sont traités comme des personnages, ce qui amplifie les aspects émotionnels. Les portraits et les paysages entrelacés ont leur propre narration, engageant un dialogue visuel tout au long du livre.
