Quels sont les liens entre l'oeuvre inachevée de Piet Mondrian, Victory Boogie Woogie (1942-1944), et la photographie d'architecture japonaise et japonisante d'après-guerre??
Dès le milieu des années 1950, critiques et photographes relient volontiers la peinture de Mondrian avec l'architecture japonaise moderne et certains historiens iront jusqu'à soutenir que Mondrian aurait lui-même été influencé par l'architecture japonaise traditionnelle...
Ces associations puissantes ont concouru au rapprochement de la modernité architecturale de l'Occident avec celle du Japon. Elles sont également un pilier de la survivance du japonisme architectural, autrement dit un pilier du néo-japonisme qui se développe après-guerre. Or cette relation entre l'abstraction de Mondrian et l'esthétique de l'architecture japonaise se perçoit peu dans l'architecture, mais plutôt dans la photographie d'architecture.
Ce livre, qui pose un regard oblique sur Mondrian, interroge les oeuvres des plus grands photographes d'architecture japonais et américains pour expliquer les mécanismes de la japonisation du monde architectural entre 1945 et 1985.
La photographie et la danse sont considérées comme deux arts opposés. Tandis que l'un représente une chose figée et suspend le temps, l'autre fait l'éloge du mouvement et semble insaisissable. Pourtant, ce livre, au sujet innovant tente de les mêler pour s'approcher et interpréter au mieux les spectacles de danse.
Les très nombreuses photographies du livre sauvegardent ainsi cet art éphémère et permettent de retracer les vingt-cinq dernières années de la création dans le domaine de la danse. Son histoire y est dévoilée ainsi que la création des mouvements et des tendances esthétiques de la danse contemporaine.
Ce livre propose donc une réflexion sur la représentation et le regard et met en parallèle celui d'une critique de danse et celui d'un photographe. Le photographe doit-il réinterpréter le spectacle par ses photographies et proposer une nouvelle vision ou doit-il s'effacer afin de rendre compte le mieux possible de la réalité de la chorégraphie ?
Devant la disparition d'un nombre important de supports de diffusion de presse et d'édition, les pratiques du documentaire et du photojournalisme se sont trouvées en crise depuis les années 1970.
Pour continuer de rendre compte de situations sociétales ou idéologiques complexes, des photographes se sont posés la question de formes mixtes : les fictions documentaires. Cette ouvrage présente une soixantaine d'entre eux, issus aussi bien du reportage, comme Georges Mérillon ou Laurent Van der Stockt, que des arts plastiques tels Alan Sekula, JR ou Thomas Hirschhorn.
Pour rendre compte de la diversité de ce courant central dans la photographie contemporaine, les différentes approches sont regroupées en 6 chapitres thématiques.
Après l'annonce retentissante de l'invention de la photographie, en 1839, à côté des écrits purement scientifiques des inventeurs, les plus grands écrivains (Balzac, Gautier, Baudelaire, Hugo, Flaubert) vont très vite se demander si ce nouveau moyen de représentation est un art. Avec ce débat va apparaître un discours critique sur la photographie, soutenu par de nombreuses revues.
L'objet de ce livre est de retracer l'histoire et la spécificité de la critique photo qui, en se différenciant de la critique d'art, a établi ses propres normes et concepts d'analyse (la différence essentielle avec la critique d'art résidant dans le fait que la photo est à la fois outil et support).
Si les écrivains ont été parmi les premiers à écrire sur la photographie, des auteurs issus de la philosophie et des sciences humaines (Benjamin, Bourdieu, Barthes, Tisseron, etc.) ont ensuite produit de nombreux écrits sur l'image. Différents critiques (Susan Sontag, Hervé Guibert, Didi-Huberman) se sont engagés, tout au long du xx e siècle, aux côtés des courants photographiques.
De même, de nombreux photographes ont développé un discours critique sur les pratiques photographiques, allant jusqu'à revendiquer la critique comme faisant partie de leur pratique artistique.
L'histoire de la photographie a souvent oublié de prendre en compte la diffusion de cette invention au XIX e siècle en l'Asie, alors même que, suivant les pays, la photographie s'est développée dès les années 1840 ou plus largement à partir des années 1850. En Inde, par exemple, la nouvelle de l'invention arrive dès son annonce publique en France et en Angleterre en 1839.
Pour construire cette histoire, il faut avant tout expliquer les circonstances géopolitiques dans lesquelles la photographie est pratiquée car c'est dans le sillage des conquêtes occidentales qu'elle prend tout son essor.
De l'Inde au Japon, les opérateurs occidentaux vont introduire la photographie et former localement des photographes qui vont l'adapter aux usages régionaux.
- Accompanies a major exhibition at the Frances Lehman Loeb Art Center at Vassar College February 17 - June 2, 2024
- Only retrospective on the photography of Rollie McKenna in print
- Includes iconic portraits of artists and writers, including W. H. Auden, Elizabeth Bishop, Alexander Calder, Truman Capote, T. S. Eliot, Laura Gilpin, Henry Moore, Sylvia Plath, Ezra Pound, Anne Sexton, Dylan Thomas, and Eudora Welty
Making a Life in Photography: Rollie McKenna is the first career survey of prolific American photographer Rosalie (Rollie) Thorne McKenna (1918-2003). After graduating from Vassar College in 1940, McKenna worked independently as a sought-after architectural and portrait photographer, making unique yet underrecognized contributions to American modernism and documentary photography. McKenna's work was published in numerous books and magazines including Vogue, Vanity Fair, and Fortune. The Museum of Modern Art's 1955 landmark exhibition Latin American Modernism Since 1945 featured her architectural photographs. She made iconic portraits of artists and writers, including W. H. Auden, Elizabeth Bishop, Alexander Calder, Truman Capote, T. S. Eliot, Laura Gilpin, Henry Moore, Sylvia Plath, Ezra Pound, Anne Sexton, Dylan Thomas, and Eudora Welty. McKenna's story as a queer woman would be lost if not for her dedication to preserving her own legacy. She embraced photography to explore the complexities of human experience - including her own.
Formes et de genres qui motivent les premiers photographes qui se découvriront auteurs. Ils inscrivent ainsi leur pratique aussi bien dans l'histoire de l'art que dans l'histoire des sciences, qu'ils accompagnent et révolutionnent. Ce premier volume d'une série de trois (La photographie ancienne, La photographie moderne, La photographie contemporaine), conçue à quatre mains par Christian Gattinoni et Yannick Vigouroux, propose une synthèse des courants et des idées qui ont animé la photographie durant la période 1839-1918.
Abondamment illustré, il présente et analyse, selon une logique chronologique, les oeuvres des principaux opérateurs du XIXe siècle et du premier quart du XXe siècle, des inventeurs (Niépce, Daguerre, Bayard et Talbot) aux pictorialistes et différents courants précurseurs de la modernité.
Après un premier volume consacré à la naissance de la photographie et à son histoire jusque dans les années 60, les auteurs nous aident à appréhender les tendances de la photographie contemporaine qui occupe une position centrale au coeur de arts plastiques. Selon le principe de la collection, 12 oeuvres majeures, représentatives de ces tendances, sont les points de départ pour découvrir le travail de plus d'une centaine d'artistes.
La photographie a bouleversé notre vision du monde.
En enregistrant le réel avec précision, elle a libéré les peintres du souci de réalisme et a joué, à ce titre, un rôle décisif dans la naissance de l'art moderne. Elle a témoigné des progrès de la recherche scientifique, en même temps qu'elle y a participé. Renouvelant notre identité avec le portrait, notre conception du corps par le nu et notre rapport à l'environnement grâce au paysage, la photographie a aussi contribué à l'invention du reportage, de la mode, de la publicité.
À la fois fiction et document, elle fournit d'autres sources aux historiens et enrichit nos mythologies contemporaines. À travers douze oeuvres représentatives de ces changements et reconnues aussi bien par les musées que par les grandes collections publiques et privées, ce livre propose quelques clés pour découvrir cette aventure moderne commencée au milieu du siècle précédent.
Des ouvrages qui permettent de découvrir la richesse des collections des plus grands musées. Des textes clairs écrits par les conservateurs des musées, magnifiquement illustrés par une iconographie abondante
En 1851, la commission des Monuments historiques, dirigée par Prosper Mérimée passe commande à 5 photographes d'un inventaire des richesses architecturales de la France. C'est le début d'un formidable courant de reconnaissance et de préservation du patrimoine. La photographie va jouer un double rôle essentiel dans ce courant: celui d'outil de mémoire et de travail pour les architectes et les conservateurs, mais aussi outil de diffusion pour rendre visible ces monuments et les faire connaître.
Ce livre rassemble les photographies de près de 150 monuments de la région PACA, qui a un patrimoine architectural particulièrement riche, et a été, lors de ces missions, un terrain privilégié par les photographes.
Il fait également se croiser les regards:
D'une part, celui d'un photographe et d'une historienne qui explorent les rapports entre photographie et patrimoine architectural.
D'autre part ceux des photographes du XIX" siècle avec ceux de 6 jeunes photographes, élèves à l'école de la photographie d'Arles, qui ont accepté de remettre leurs pas dans ceux de leurs prédécesseurs en tentant de refaire à l'identique certaines de ces photographies et en proposant à côté leur vision contemporaine des mêmes monuments.
Activiste dans le panorama de la création française et internationale, ORLAN interroge le statut du corps dans nos sociétés et celui de la femme en particulier.
Elle est l'auteur du mouvement artistique « l'art charnel » et mène un travail tourné résolument vers son époque tant par les sujets qu'elle aborde que par les outils qu'elle utilise, notamment les nouvelles technologies depuis quelques années. Elle fait ses premières performances à l'âge de 17 ans. En 1978, c'est sa première performance chirurgicale. Ses « Selfhybridations » proposent pour des corps mutants de nouveaux critères de beauté en dehors des normes actuelles.
Ce livre est une monographie sur son oeuvre sous l'angle de son rapport à la science. Il examine comment ORLAN a confronté depuis des années sa pratique de plasticienne à la question scientifique, en procédant à un strip-tease nouvelle génération, au-delà de l'intime et de la peau : elle nous donne à voir son propre processus de vie, mettant ainsi à nu le corps, sa structure et ses particules. Commence alors un voyage où le portrait - ses codes, ses standards - côtoie les imageries 3D au fil d'un parcours sur l'identité sociale et biologique.
En 1983, Bernard Latarjet découvre le travail de Christian Milovanoff sur le Louvre (Le Louvre revisité, exposition puis édition en 1986) et lui propose de participer à la Mission photographique de la DATAR qui va mobiliser 29 photographes chargés de représenter le paysage français des années 1980.
Christian Milovanoff accepte de participer à condition de pouvoir se consacrer exclusivement au « paysage intérieur » : ce sont les lieux de travail, les « bureaux » qu'il veut représenter. Entre 1984 et 1988, il va ainsi prendre plus de 9 000 clichés de bureaux, espaces technologiques, administratifs et institutionnels, à travers le territoire français.
Un nombre très réduit de ces photographies a été montré à ce jour, et ce livre, près de trente ans plus tard, donne une forme achevée à ce travail d'une ampleur et d'une rigueur exemplaires. Dans ces bureaux, vides de leurs occupants, la présence humaine est partout. C'est cette vacance qui permet au photographe de focaliser le regard sur l'esthétique de cet univers, alliage d'utilitaire et de factice.
Ces lieux de travail, le pressent-il alors, Christian Milovanoff les photographie juste avant l'arrivée massive des ordinateurs qui vont transformer l'organisation du travail tout en remodelant en profondeur ce paysage où des millions de personnes passent leurs journées.
What's behind a picture? The term "metadata" is used to describe the information that travels with a digital image file but is unseen within the image itself. In our networked digital environment, metadata is accessed by both human users and artificial intelligences. Software algorithms orchestrate what images we see and exchange while collecting the valuable data generated by our interactions. In our moment, dominated by image-based social media and surveillance, we are becoming increasingly aware that understanding the information that circulates unseen around photographic images is just as important as seeing what they represent.
This fascinating, fully-illustrated publication explores new paradigms for understanding the ecology of the photographic image through the work of an international selection of contemporary artists and visual activists. This includes not just the tags or descriptors attached to image files, but the power relationships, biases, and economic interests that are not always visible in the image itself.
