A definitive survey on the Dada participant and pioneer of abstraction between art and craft, spanning her textiles, marionettes, stained glass, paintings and more Accompanying the first retrospective of Taeuber-Arp's work in the United States in 40 years, Sophie Taeuber-Arp: Living Abstraction is a comprehensive survey of this multifaceted abstract artist's innovative and wide-ranging body of work. Her background in the applied arts and dance, her involvement in the Zurich Dada movement and her projects for architectural spaces were essential to her development of a uniquely versatile and vibrant abstract vocabulary. Through her artistic output and various professional alliances, Taeuber-Arp consistently challenged the historically constructed boundaries separating fine art from craft and design.
This richly illustrated catalog explores the artist's interdisciplinary and cross-pollinating approach to abstraction through some 400 works, including textiles, beadwork, polychrome marionettes, architectural and interior designs, stained glass windows, works on paper, paintings and relief sculptures. It also features 15 essays that examine the full sweep of Taeuber-Arp's career. Arranged into six chapters that follow the exhibition's sections, these essays trace the progression of Taeuber-Arp's creative production both chronologically and thematically. A comprehensive illustrated chronology, the first essay on Taeuber-Arp's materials and techniques, and an exhibition checklist based on new research and analysis detail the expansive nature of Taeuber-Arp's production.
Sophie Taeuber-Arp was born in 1889 in Davos, Switzerland, and trained at the interdisciplinary Debschitz School in Munich. In 1914, she began a successful applied arts practice in Zurich, where she also taught textile design and participated in the Dada movement. Starting in the late 1920s, Taeuber-Arp completed several architectural and interior design projects, most significantly the Aubette entertainment complex in Strasbourg. When she moved to Paris in 1929, she turned her attention to abstract paintings and painted wood reliefs. During the Nazi occupation, Taeuber-Arp spent her final years in the South of France, and died of accidental carbon monoxide poisoning in 1943.
Publiée pour accompagner la première grande enquête sur le travail de Cindy Sherman aux États-Unis en près de 15 ans, cette publication présente une gamme étonnante d'oeuvres issues des 35 ans de carrière de l'artiste révolutionnaire.
Couvrant 65 ans de carrière du célèbre artiste et reflétant sa propre approche interdisciplinaire, Ed Ruscha / Now Then présente plus de 250 objets, produits de 1958 à aujourd'hui, y compris des peintures, des dessins, des estampes, des films, des photographies, des livres d'artistes et des installations. Publié pour accompagner la présentation la plus complète de l'oeuvre de l'artiste à ce jour, et sa première exposition personnelle au MoMA, ce catalogue richement illustré met en évidence les oeuvres les plus appréciées d'Ed Ruscha ainsi que des aspects moins connus de sa pratique. Les essais d'un groupe interdisciplinaire de contributeurs examinent l'oeuvre de Ruscha sous un nouveau jour, au-delà des catégories de l'art pop et conceptuel auquel il a traditionnellement été associé. Ils soulignent son exploration matérielle du langage, ses expériences avec des matériaux non conventionnels - comme la poudre à canon, le chocolat ou le tabac à chiquer - et ses livres auto-publiés.
Publié à l'occasion de la plus grande exposition de son travail aux États-Unis depuis plus de 30 ans et de la première grande rétrospective consacrée à Käthe Kollwitz dans un musée de New York, ce livre retrace la carrière de l'artiste des années 1890 au début des années 1940. Il présente environ 120 dessins, gravures et sculptures provenant de collections publiques et privées d'Europe et d'Amérique du Nord. Les projets les plus emblématiques de l'artiste mettent en valeur son engagement politique, tandis que des études et des épreuves de travail rarement vues éclairaient son processus créatif en constante évolution. Les essais explorent des aspects cruciaux de son art, de sa carrière et de son héritage, notamment son approche révolutionnaire du deuil des femmes et la réception de son travail parmi les artistes aux États-Unis.
Alexander Calder: Modern from the Start examine le travail de Calder à travers le prisme de sa connexion avec le MoMA, prenant comme point de départ l'idée que Calder a assumé le rôle officieux d '« artiste maison » du Musée au cours de ses années de formation. Suivant une chronologie lâche, le catalogue présente des exemples de toute l'oeuvre de Calder, de ses premières sculptures en fil de fer des années 1920 à ses grands stabiles mono- et polychromes et aux mobiles de ses dernières années. Un essai de la conservatrice Cara Manes retrace la riche relation de Calder avec le MoMA, alimenté par de nouvelles recherches dans les archives du Musée et de la Fondation Calder.
Ce catalogue d'une exposition du MoMA explore une partie méconnue du travail de Louise Bourgois : ses livres et ses sérigraphies, 270 de ses oeuvres sont ainsi présentées de façon thématique ainsi qu'un essai retraçant la place de ces mediums dans le développement de sa carrière de sculptrice.
Publié pour accompagner la première exposition rétrospective américaine de la sculpture de Donald Judd depuis plus de trente ans, ce catalogue explore le travail d'un artiste de référence qui, au cours de sa carrière, a développé un vocabulaire matériel et formel qui a transformé le domaine de la sculpture moderne. Des peintures des débuts dans les années 1960 jusqu'aux dernières oeuvres avant sa disparition, cette publication richement illustrée examine de près les réalisations de Judd et, à l'aide de nouveaux documents d'archives disponibles à la Fondation Judd et ailleurs, élargit les perspectives de son travail.
Ce catalogue accompagne une exposition prévue au Kunstmuseum de Berne (octobre 21 - janvier 22), puis à la collection Menil à Houston au Texas (mars - août 2022) et enfin au MoMA (octobre 2022 - février 2023). Cette rétrospective revient sur l'ensemble de sa carrière et examine les influences qu'elle a eue sur les artistes des générations suivantes.
Devenue largement accessible au grand public dans les années 1960, la vidéo est omniprésente aujourd'hui - sur nos téléphones et nos écrans, définissant de nouveaux espaces et expériences, façonnant nos idées et notre politique, et répandant la désinformation autant que la documentation. Signals: The Politics of Video retrace la manière dont les artistes ont à la fois défendu et remis en question ce genre, révélant une histoire planétaire, critique et activiste depuis ses débuts. Accompagnant une exposition au MoMa en 2021, ce catalogue comprend un essai introductif des conservateurs et six textes thématiques DE chercheurs et artistes qui explorent l'éventail des engagements artistiques liés à la vidéo, aux médias et à la sphère publique.
Ce catalogue d'une exposition évènement au MOMA s'intéresse à la manière donc les avant-gardistes modernistes du Dada au constructivisme ont repensé leurs rôles, travaillant comme propagandistes, annonceurs, éditeurs, graphistes, conservateurs et plus, pour créer de nouveaux langages visuels pour un monde radicalement transformé.
Ce catalogue accompagne une exposition du MoMA (12/2014-04/2015). Conçue en étroite collaboration avec la collection Thomas Walther, l'exposition présente plus de 300 photographies qui ont marqué la première moitié du vingtième siècle parmi lesquels on retrouve Berenice Abbott, Karl Blossfeldt, Manuel Alvarez Bravo, Florence Henri ou encore André Kertész.
À l'été 1970, au Museum of Modern Art de New York se déroule Information, la légendaire exposition sur l'art conceptuel. Conçue par le célèbre conservateur du MoMA, Kynaston McShine, comme un « rapport international » sur les tendances contemporaines, elle présentait le travail de plus de 150 artistes de 15 pays pour explorer les paramètres et les possibilités des pratiques artistiques émergentes de l'époque. Le catalogue, plutôt que de simplement documenter l'exposition, fonctionnait de manière autonome : il comprenait une liste de lectures recommandées, un index basé sur le hasard réalisé par la critique Lucy Lippard, et des contributions individuelles d'artistes sous forme de documentation photographique, description textuelle, dessins et diagrammes. Cette édition en fac-similé du catalogue, dont l'original est depuis longtemps épuisé, invite à replonger dans cette exposition historique et de redécouvrir à travers elle le commencement de l'art conceptuel.
MoMA Dance is a new series of monographs exploring dance makers in the twenty-first century. Each volume focuses on a single contemporary choreographer, presenting a rich collection of newly commissioned texts along with a definitive catalogue of the artist's projects. Accessible, informative, and inspiring, they are indispensible guides to contemporary dance for fans and scholars alike.
Du Mexique jusqu'en Argentine, en passant par les Caraïbes, l'exposition Latin America in Construction présentée au MoMA (29/03 - 19/07/2015) nous plonge dans l'architecture latino-américaine. De très nombreux documents - photos, dessins et plans - mettent en évidence l'innovation de certaines architectures et l'exploration de nouvelles formes d'espaces urbains, dans une histoire de l'architecture moderne dominée par l'Europe et les Etats-Unis.
L'exposition commémorative de la fondation du Bauhaus, voyagera de Berlin à New-York, où elle sera présentée au MoMA à partir du mois de novembre 2009. Un millier d'oeuvres réunies dans la plus grande rétrospective jamais organisée, retracent l'influence de cette école d'art devenue un mouvement artistique majeur du XXe siècle.
En 1971, Yoko Ono lançait un one-woman show au MoMA, dont elle avait fait elle-même la promotion, organisée plus de 40 ans après les débuts de cette artiste pluridisciplinaire, la rétrospective présentée au musée newyorkais se concentre sur une décennie charnière dans la carrière d'Ono. Un ensemble d'environ 125 oeuvres de jeunesse y est présenté, réunissant des oeuvres sur papier, des installations, des performances, des enregistrements audio, des films ainsi que des documents d'archive inédits ou rarement exposés.
En août 2021, le MoMA consacre une exposition à Shigeko Kubota, artiste américaine d'origine japonaise membre du groupe Fluxus. Moins connue que ses collabrateurs John Cage, Nam June Paik ou encore Jonas Mekas, elle a pourtant incarné une partie importante de l'art de son époque, travaillant la musique expérimentale, la sculpture, l'installation, la vidéo. Le travail qui l'a rendue célèbre et peut-être masqué le reste de son oeuvre est la performance Vagina Painting, lors de laquelle elle peint au sol à l'aide d'un pinceau tenu dans son vagin, comme une réponse à Jackson Pollock et Yves Klein qui vise à se réapproprier le corps féminin..
The first museum survey of the visionary polymath from Côte d'Ivoire.
The Ivorian artist Frédéric Bruly Bouabré created an unmistakable and entirely unique body of work, first as a writer and linguist, and then in a dazzling series of colorful drawings on a multitude of subjects, from his native Bété culture to the urban milieu of Abidjan to the all-encompassing themes of fraternity, equality and global understanding. All but unknown even in his home country of Côte d'Ivoire, Bouabré found international recognition in 1989 when he participated in the landmark Paris exhibition Magiciens de la terre, and his work has since been the subject of solo and group exhibitions around the world.
Published to accompany the first museum survey of Bouabré's work in North America, this catalog offers a vivid account of the artist's long and multifaceted career, including a detailed chronology of his life and reproductions of more than six hundred of his drawings. An essay by curator Ugochukwu-Smooth C. Nzewi introduces Bouabré to a new audience, illuminating his significance as both an important African creator and one of the most intriguing artists of the 20th century.
Frédéric Bruly Bouabré (1923-2014) started his career as a bureaucrat in the French colonial administration but reinvented himself as a self-taught ethnologist and artist in Côte d'Ivoire, his home country. After developing a written syllabary for the oral culture of his Bété people, he turned to drawing as a way to unite Bété subjects with broader themes of human experience. His work attracted global interest, leading to major exhibitions and biennials since its art-world debut in 1989.
The adventures, mysteries and many lives of a Matisse masterpiece.
Created in 1911, Henri Matisse's The Red Studio would go on to become one of the most influential works in the history of modern art. The painting, which has hung in MoMA's galleries since 1949, depicts the artist's studio in the Parisian suburb of Issy-les-Moulineaux, filled with his own artworks, furniture and decorative objects. Matisse's radical decision to saturate the work's surface with red has fascinated generations of scholars and artists, yet much remained to be discovered about the painting's genesis and history.
Published in conjunction with an exhibition that reunites the artworks shown in The Red Studio for the first time since they left Matisse's work space, this copiously illustrated catalog examines the paintings and sculptures depicted in it, from familiar works such as Young Sailor II (1906) to lesser-known pieces whose locations have only recently been discovered. A narrative essay by Ann Temkin, the Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture at the Museum of Modern Art, New York, and Dorthe Aagesen, Chief Curator and Senior Researcher at Statens Museum for Kunst, Copenhagen, traces the life of The Red Studio, from the initial commissioning of the work in 1911 through its early history of exhibition and ownership to its arrival at MoMA after World War II. The book features a rich selection of archival materials, including photographs, letters and ephemera, many of which have never before been published or exhibited. With its groundbreaking research and close reading of the work, Matisse: The Red Studio transforms our understanding of this landmark of 20th-century art.
